Примечание. В списке представлены помимо художников Нидерландов, также живописцы Фландрии.
Искусство Нидерландов 15 века
Первые проявления искусства Возрождения в Нидерландах относятся к началу 15 столетия.
Первые живописные произведения, которые можно уже причислить к ранним ренессансным памятникам, были созданы братьями Губертом и Яном ван Эйк.
Оба они – Губерт (умер в 1426) и Ян (около 1390–1441) – сыграли решающую роль в становлении нидерландского Ренессанса. О Губерте почти ничего неизвестно. Ян был, видимо, весьма образованным человеком, изучал геометрию, химию, картографию, выполнял некоторые дипломатические поручения бургундского герцога Филиппа Доброго, на службе у которого, между прочим, состоялась его поездка в Португалию. О первых шагах Возрождения в Нидерландах позволяют судить живописные работы братьев, выполненные в 20–х годах
15 века, и среди них такие, как «Жены-мироносицы у гроба» (возможно, часть полиптиха; Роттердам, музей Бойманс-ван Бейнинген), «Мадонна в церкви» (Берлин), «Святой Иероним» (Детройт, Художественный институт).
Братья ван Эйки в современном им искусстве занимают исключительное место. Но они не были одиноки. Одновременно с ними работали и другие живописцы, стилистически и в проблемном отношении им родственные. Среди них первое место бесспорно принадлежит так называемому Флемальскому мастеру. Было сделано немало остроумных попыток определить его подлинное имя и происхождение. Из них наиболее убедительна версия, по которой этот художник получает имя Робер Кампен и довольно развитую биографию. Ранее именовался Мастером алтаря (или «Благовещения») Мероде. Существует также малоубедительная точка зрения, относящая приписанные ему работы молодому Рогиру ван дер Вейдену. О Кампене известно, что он родился в 1378 или 1379 году в Валансьене, получил звание мастера в 1406 в Турне, там жил, исполнил помимо живописных работ немало декоративных, был учителем ряда живописцев (в том числе Рогира ван дер Вейдена, о котором речь пойдет ниже, – с 1426, и Жака Дарэ – с 1427) и умер в 1444 году. Искусство Кампена сохранило бытовые черты в общей «пантеистической» схеме и тем самым оказалось весьма близким следующему поколению нидерландских живописцев. Ранние произведения Рогира ван дер Вейдена и Жака Дарэ, автора, чрезвычайно зависевшего от Кампена (примером тому его «Поклонение волхвов» и «Встреча Марии и Елизаветы», 1434–1435; Берлин), отчетливо выявляют интерес к искусству этого мастера, в чем безусловно проявляется тенденция времени.
Портрет молодой женщины, 1445, Картинная галерея, Берлин
Святой Иво, 1450, Национальная галерея, Лондон
Святой Лука, пишуший образ Мадонны, 1450, Музей Гронинген, Брюгге
Рогир ван дер Вейден родился в 1399 или 1400 году, прошел обучение у Кампена (то есть в Турне), в 1432 получил звание мастера, в 1435 году переехал в Брюссель, где был официальным живописцем города: в 1449–1450 годах совершил поездку в Италию и умер в 1464. У него учились некоторые крупнейшие художники нидерландского Ренессанса (например, Мемлинг), и он пользовался широкой известностью не только на родине, но и в Италии (прославленный ученый и философ Николай Кузанский назвал его величайшим художником; позже его работы отметил Дюрер). Творчество Рогира ван дер Вейдена послужило питательной основой для самых различных живописцев следующего поколения. Достаточно сказать, что мастерская его – первая в Нидерландах столь широко организованная мастерская – оказала сильнейшее влияние на беспрецедентное для 15 столетия распространение стиля одного мастера, низвела в конечном итоге этот стиль к сумме трафаретных приемов и даже сыграла роль тормоза для живописи конца века. И все же искусство середины 15 века не может быть сведено к рогировской традиции, хотя и тесно с ней связано. Другой путь олицетворяется в первую очередь работами Дирика Баутса и Альберта Оуватера. Им, как и Рогиру, несколько чуждо пантеистическое восхищение жизнью, и у них образ человека все более теряет связь с вопросами мироздания – вопросами философскими, теологическими и художественными, приобретая все большую конкретность и психологическую определенность. Но Рогир ван дер Вейден, мастер повышенного драматического звучания, художник, стремившийся к образам индивидуальным и вместе с тем возвышенным, интересовался главным образом сферой духовных свойств человека. Достижения Баутса и Оуватера лежат в области усиления бытовой достоверности изображения. Среди формальных проблем их более интересовали вопросы, связанные с решением не столько выразительных, сколько изобразительных задач (не острота рисунка и экспрессия цвета, а пространственная организация картины и естественность, натуральность световоздушной среды).
Но прежде чем перейти к рассмотрению творчества двух этих живописцев, следует остановиться на явлении менее крупного масштаба, которое показывает, что открытия искусства середины века, будучи одновременно и продолжением традиций ван Эйков–Кампена и отступничеством от них, в обоих этих качествах были глубоко оправданны. Более консервативный живописец Петрус Кристус наглядно демонстрирует историческую неизбежность этого отступничества даже для художников, не склонных к радикальным открытиям. С 1444 года Кристус стал гражданином Брюгге (умер там же в 1472/1473) – то есть он видел лучшие работы ван Эйка и формировался под влиянием его традиции. Не прибегая к острой афористичности Рогира ван дер Вейдена, Кристус добился более индивидуализированной и дифференцированной характеристики, чем это делал ван Эйк. Однако, его портреты (Э. Гримстона – 1446, Лондон, Национальная галерея; монаха-картезианца – 1446, Нью-Йорк, Метрополитен-музей) свидетельствуют вместе с тем об известном снижении образности в его творчестве. В искусстве все сильнее обозначалась тяга к конкретному, индивидуальному, частному. Быть может, четче всего эти тенденции проявлялись в творчестве Баутса. Более молодой, чем Рогир ван дер Вейден (родился между 1400 и 1410), он был далек от драматизма и аналитичности этого мастера. И все же ранний Баутс во многом исходит от Рогира. Алтарь со «Снятием со креста» (Гранада, собор) и ряд других картин, например «Положение во гроб» (Лондон, Национальная галерея), свидетельствуют о глубоком изучении творчества этого художника. Но уже здесь заметно и своеобразие – Баутс предоставляет своим героям больше пространства, его интересует не столько эмоциональная среда, сколько действие, самый процесс его, его персонажи активнее. То же – в портретах. В превосходном мужском портрете (1462; Лондон, Национальная галерея) молитвенно поднятые – хотя и без всякой экзальтации – глаза, особый склад рта и аккуратно сложенные руки обладают такой индивидуальной окраской, которой не знал ван Эйк. Даже в деталях ощутим этот личный оттенок. Несколько прозаический, но простодушно реальный отсвет лежит на всех работах мастера. Заметнее всего он в его многофигурных композициях. И особенно в наиболее прославленном его произведении – алтаре лувенской церкви святого Петра (между 1464 и 1467). Если произведение ван Эйка зритель всегда воспринимает как чудо творчества, созидания, то перед работами Баутса возникают иные чувства. Композиционная работа Баутса говорит о нем скорее как о режиссере. Памятуя об успехах такого «режиссерского» метода (то есть метода, при котором задача художника – расставить как бы извлеченные из натуры характерные действующие лица, организовать сцену) в последующих веках, следует со вниманием отнестись к этому явлению в творчестве Дирка Баутса.
Следующая ступень искусства Нидерландов захватывает последние три-четыре десятилетия 15 века – время чрезвычайно тяжелое для жизни страны и ее культуры.
Этот период открывается творчеством Иоса ван Вассенхове (или Иос ван Гент; между 1435–1440 – после 1476), художника, сыгравшего немалую роль в становлении новой живописи, но уехавшего в 1472 году
в Италию, акклиматизировавшегося там и органически включившегося в итальянское
искусство. Его алтарь с «Распятием» (Гент, церковь святого Бавона) свидетельствует о тяготении к повествовательности, но одновременно о стремлении лишить рассказ холодной бесстрастности. Последнего он хочет достигнуть при помощи изящества и декоративности. Его алтарь – светское по своему характеру произведение со светлой цветовой гаммой, построенной на изысканных переливающихся тонах.
Этот период продолжается творчеством мастера исключительного дарования – Хуго ван дер Гуса.
Он родился около 1435 года, стал мастером в Генте в 1467 и умер в 1482 году. К наиболее ранним произведениям Гуса следует отнести несколько изображений мадонны с младенцем, отличающихся лирическим аспектом образа (Филадельфия, Музей искусств, и Брюссель, Музей), и картину «Святая Анна, Мария с младенцем и донатор» (Брюссель, Музей).
Развивая находки Рогира ван дер Вейдена, Гус видит в композиции не столько способ гармонической организации изображаемого, сколько средство для
концентрации и выявления эмоционального содержания сцены. Человек замечателен для Гуса только силой своего личного чувства. При этом Гуса влекут чувства
трагические. Однако образ святой Женевьевы (на обороте «Оплакивания») свидетельствует о том, что в поисках обнаженной эмоции
Хуго ван дер Гус начал обращать внимание и на ее этическую значительность.
В алтаре Портинари Гус старается выразить свою веру в душевные возможности человека. Но его искусство становится нервным и напряженным. Художественные приемы Гуса разнообразны – особенно когда ему нужно воссоздать душевный мир человека. Иногда, как в передаче реакции пастухов, он в определенной последовательности сопоставляет близкие чувства. Иногда, как в образе Марии,
художник намечает общие черты переживания, по которым зритель дорисовывает чувство в целом. Порой – в образах узкоглазого ангела или Маргариты – он прибегает для расшифровки образа к композиционным или ритмическим приемам. Иногда сама неуловимость психологического выражения превращается у него в средство характеристики – так на сухом, бесцветном лице Марии Барончелли играет отсвет улыбки. И огромную роль играют паузы – в пространственном решении и в действии. Они дают возможность мысленно развить, докончить то чувство, которое художник наметил в образе.
Характер образов Хуго ван дер Гуса всегда зависит от той роли, которую они должны играть в целом. Третий пастух
реально натурален, Иосиф – развернуто психологичен, ангел справа от него – почти ирреален, а образы Маргариты и Магдалины сложны, синтетичны и построены на исключительно тонких психологических градациях.
Хуго ван дер Гус всегда хотел выразить, воплотить в своих образах душевную мягкость человека, его внутреннюю теплоту. Но по существу, последние портреты художника свидетельствуют о нарастании в творчестве Гуса кризиса, ибо его духовный строй порожден не столько осознанием индивидуальных качеств личности, сколько трагичной для художника утратой единства человека и мира. В последней работе – «Смерть Марии» (Брюгге, Музей) – этот кризис выливается в крушение всех творческих устремлений художника. Отчаяние апостолов беспросветно. Их жесты бессмысленны. Наплывающий в сиянии Христос своими страданиями как бы оправдывает их страдания, и его пронзенные ладони вывернуты к зрителю, а неопределенных размеров фигура нарушает масштабный строй и чувство реальности. Также нельзя понять меру реальности переживания апостолов, ибо чувство у всех них одно. И оно не столько их, сколько художника. Но носители его все же физически реальны и психологически убедительны. Подобные образы возродятся позже, когда в конце 15 века в нидерландской культуре подойдет к своему исчерпанию столетняя традиция (у Босха). Странный зигзаг составляет основу композиции картины и организует ее: сидящий апостол, один лишь недвижный, смотрящий на зрителя, наклонен слева направо, простертая Мария – справа налево, Христос, наплывающий,– слева направо. И этот же зигзаг в цветовой гамме: фигура сидящего цветом связана с Марией, та, лежащая на мутно-синей ткани, в одеянии тоже синем, но синевы предельной, крайней, затем – бесплотная, нематериальная голубизна Христа. А вокруг краски одеяний апостолов: желтые, зеленые, голубые – бесконечно холодные, ясные, неестественные. Чувство в «Успении» обнажено. Оно не оставляет места ни надежде, ни человечности. В конце жизни Хуго ван дер Гус ушел в монастырь, его самые последние годы были омрачены душевной болезнью. Видимо, в этих биографических фактах можно видеть отражение трагических противоречий, определивших искусство мастера. Творчество Гуса знали и ценили, и оно привлекало внимание даже за пределами Нидерландов. Жан Клуэ Старший (Мастер из Мулена) находился под сильнейшим влиянием его искусства, Доменико Гирландайо знал и изучал алтарь Портинари. Однако современники не поняли его. Нидерландское искусство неуклонно склонялось к другому пути, и отдельные следы воздействия творчества Гуса только оттеняют прочность и распространенность этих других тенденций. С наибольшей полнотой и последовательностью они проявились в работах Ханса Мемлинга.
Суета земная, триптих, центральная панель,
Ад, левая панель триптиха "Суета земная",
1485, Музей изящных искусств, Страстбург
Ханс Мемлинг, родившийся, видимо, в Зелигенштадте, около Франкфурта-на-Майне, в 1433 году (умер в 1494), художник получил великолепную выучку у Рогира и, перебравшись в Брюгге, снискал там себе самую широкую известность. Уже относительно ранние произведения обнаруживают направление его исканий. Начала светлое и возвышенное получили у него гораздо более светский и земной смысл, а все земное – некоторую идеальную приподнятость. Примером может служить алтарь с мадонной, святыми и донаторами (Лондон, Национальная галерея). Мемлинг стремится сохранить повседневный облик своих реальных героев и приблизить к ним героев идеальных. Возвышенное начало перестает быть выражением неких пантеистически понятых общих мировых сил и превращается в естественное духовное свойство человека. Принципы творчества Мемлинга яснее проступают в так называемом Floreins-Altar (1479; Брюгге, музей Мемлинга), главная сцена и правая створка которого являются, по существу, вольными копиями соответствующих частей мюнхенского алтаря Рогира. Он решительно уменьшает размеры алтаря, срезает верх и боковые части рогировской композиции, сокращает число фигур и как бы приближает действие к зрителю. Событие утрачивает свой величественный размах. Образы участников лишаются представительности и приобретают частные черты, композиция – оттенок мягкой гармонии, а цвет, сохраняя чистоту и прозрачность, совершенно теряет рогировскую холодную, острую звучность. Он как бы трепещет легкими, ясными оттенками. Еще характернее «Благовещение» (около 1482; Нью-Йорк, собрание Леман), где использована схема Рогира; образу Марии приданы черты мягкой идеализации, значительно жанризован ангел, и с ван-эйковской любовью выписаны предметы интерьера. Вместе с тем в творчество Мемлинга все чаще проникают мотивы итальянского Ренессанса – гирлянды, путти и др., а композиционный строй делается все более размеренным и ясным (триптих с «Мадонной с младенцем, ангелом и донатором», Вена). Художник старается стереть грань между конкретным, бюргерски обыденным началом и идеализирующим, гармоническим.
Искусство Мемлинга привлекло к нему пристальное внимание мастеров северных провинций. Но их заинтересовали и другие черты – те, которые были связаны с влиянием Гуса. Северные провинции, в том числе Голландия, отставали в тот период от южных и в экономическом и в духовном отношении. Ранняя голландская живопись обычно не выходила из пределов позднеередневекового и при этом провинциального шаблона, и уровень ее ремесла никогда не поднимался до артистизма фламандских художников. Только с последней четверти 15 века положение меняется благодаря искусству Гертгена тот синт Янc.
Он жил в Гарлеме, у монахов-иоаннитов (чему и обязан своим прозванием – синт Янс в переводе означает святой Иоанн) и умер молодым – двадцати восьми лет (родился в Лейдене (?) около1460/65, умер в Гарлеме
в 1490–1495 годах). Гертген смутно ощущал тревогу, волновавшую Гуса. Но, не поднявшись до его трагических прозрений, он открыл мягкое обаяние простого человеческого чувства. Он близок Гусу своим интересом к внутреннему, духовному миру человека.
К числу крупных произведений Гертгена относится алтарь, написанный для гарлемских иоаннитов. От него сохранилась правая, распиленная теперь двухсторонняя створка. Внутренняя ее сторона представляет большую многофигурную сцену оплакивания. Гертген добивается обеих поставленных временем задач: передачи теплоты, человечности чувства и создания жизненно убедительного повествования.
Последнее особенно заметно на внешней стороне створки, где изображено сожжение Юлианом Отступником останков Иоанна Крестителя. Участники действия наделены утрированной характерностью, а действие разбито на ряд самостоятельных сцен, каждая из которых представлена с
живой наблюдательностью. Попутно мастер создает, быть может, один из первых в европейском искусстве нового времени групповых портретов: построенный по принципу простого сочетания портретных характеристик, он предвосхищает работы 16 века.
Для понимания творчества Гертгена много дает его «Семейство Христа» (Амстердам, Рейксмузеум), представленное в церковном интерьере, трактованном как реальная пространственная среда. Фигуры переднего плана остаются значительными, не проявляя никаких чувств, со спокойным достоинством сохраняя свой повседневный облик. Художник создает образы, быть может, наиболее бюргерские по своему характеру в искусстве Нидерландов. Вместе с тем показательно, что нежность, миловидность и некоторую наивность Гертген понимает не как внешне характерные приметы, но как определенные свойства душевного мира человека. И это слияние бюргерского чувства жизни с глубокой эмоциональностью – важная черта творчества Гертгена. Не случайно он не придавал душевным движениям своих героев возвышенно-вселенского характера. Он как бы нарочито мешает своим героям стать исключительными. Из-за этого они кажутся не индивидуальными. У них есть нежность и нет ни других чувств, ни посторонних мыслей, самая ясность и чистота их переживаний делает их далекими от повседневной обыденности. Однако проистекающая отсюда идеальность образа никогда не кажется отвлеченной или искусственной.
Этими чертами отличается и одна из лучших работ художника, «Рождество» (Лондон, Национальная галерея), маленькая картина, таящая в себе чувства взволнованные и удивленные.
Гертген умер рано, но принципы его искусства не остались в безвестности. Впрочем, и ближе других стоящий к нему Мастер Брауншвейгского
диптиха («Святой Бавон», Брауншвейг, Музей; «Рождество», Амстердам, Рейксмузеум) и некоторые другие анонимные мастера не столько развили принципы Гертгена, сколько придали им характер распространенного стандарта. Быть может, наиболее Значителен среди них Мастер Virgo inter virgines (назван по картине Амстердамского Рейксмузеума, изображающей Марию среди святых дев), тяготевшего не столько к психологической оправданности эмоции, сколько к остроте ее выражения в маленьких, довольно бытовых и порой почти нарочито уродливых фигурках («Положение во гроб», Сент Луис, Музей; «Оплакивание», Ливерпуль; «Благовещение», Роттердам). Но и. его творчество является скорее свидетельством исчерпания вековой традиции, чем выражением ее развития.
Резкое снижение художественного уровня заметно и в искусстве южных провинций, мастера которых все более склонялись к увлечению незначительными бытовыми подробностями. Интереснее других весьма повествовательный Мастер легенды святой Урсулы, работавший в Брюгге в 80–90–х годах 15 столетия («Легенда святой Урсулы»; Брюгге, Монастырь черных сестер), неизвестный автор не лишенных мастерства портретов супругов Барончелли (Флоренция, Уффици), а также очень традиционный брюггский Мастер легенды святой Лючии («Алтарь святой Лючии», 1480, Брюгге, церковь святого Иакова, а также полиптих, Таллин, Музей). Формирование пустого, мелочного искусства в конце 15 века является неизбежной антитезой исканиям Гуса и Гертгена. Человек утратил главную опору своего мировоззрения – веру в гармоничный и благоприятствующий ему строй мироздания. Но если распространенным следствием этого стало лишь оскудение прежней концепции, то более пристальный взгляд открыл в мире черты грозящие и загадочные. Для ответа на неразрешимые вопросы времени привлекались и позднесредневековые аллегории, и демонология, и мрачные предсказания Священного писания. В условиях нарастания острых социальных противоречий и тяжелых конфликтов возникло искусство Босха.
Иеронимус ван Акен, прозванный Босхом, родился в Гертогенбосхе (умер там же в 1516), то есть в стороне от главных художественных центров Нидерландов. Ранние его работы не лишены оттенка некоторой примитивности.
Но уже в них странно сочетаются острое и тревожное ощущение жизни природы с холодной гротескностью в изображении людей.
Босх откликается на тенденцию современного искусства – с его тягой к реальному, с его конкретизацией образа человека, а затем – понижением его роли и значения. Он доводит эту тенденцию до определенного предела.
В искусстве Босха возникают сатирические или, лучше сказать, саркастические изображения рода человеческого. Такова его «Операция по извлечению камней глупости» (Мадрид, Прадо). Операцию делает монах – и здесь сквозит злая усмешка над духовенством. Но тот, кому делают ее, пристально смотрит на зрителя, этот взгляд и нас делает сопричастным действию.
В творчестве Босха нарастает сарказм, он представляет людей пассажирами корабля дураков (картина и рисунок к ней в Лувре). Он обращается к народному юмору – и тот обретает под его рукой мрачный и горький оттенок.
Босх приходит к утверждению мрачного, иррационального и низменного характера жизни. Он не только выражает свое мировосприятие, свое чувство жизни, но дает ей морально-этическую оценку.
«Стог сена» – одна из наиболее значительных работ Босха. В этом алтаре обнаженное чувство реальности сплавляется с аллегоричностью. Стог сена намекает на старую фламандскую пословицу: «Мир – стог сена: и каждый берет из него то, что удастся ухватить»; люди на виду целуются и музицируют между ангелом и каким-то дьявольским созданием; фантастические существа влекут повозку, а за ней радостно и покорно следуют папа, император, простые люди: некоторые забегают вперед, мечутся между колесами и гибнут, раздавленные. Пейзаж же вдали не фантастический и не баснословный. А надо всем – на облаке – маленький воздевший руки Христос.
Однако было бы неверно думать, что Босх тяготеет к методу аллегорических уподоблений. Напротив, он стремится к тому, чтобы его идея воплощалась в самом существе художественных решений, чтобы она возникала перед зрителем не как зашифрованная пословица или притча, но как обобщающий безусловный образ жизни. С незнакомой средневековью изощренностью фантазии Босх населяет свои картины созданиями, причудливо сочетающими разные животные формы, или животные формы с предметами неодушевленного мира, ставит их в заведомо невероятные отношения.
Небо окрашивается красным, в воздухе проносятся птицы, оснащенные парусами, чудовищные твари ползают по лику земли. Разевают пасти рыбы с конскими ногами, и с ними соседствуют крысы, несущие на спинах оживающие деревянные коряги, из которых вылупливаются люди. Лошадиный круп оборачивается гигантским кувшином, и на тонких голых ногах куда-то крадется хвостатая голова. Все ползает и все наделено острыми, царапающими формами. И все заражено
энергией: каждое существо – маленькое, лживое, цепкое – охвачено злобным и торопливым движением.
Босх придает этим фантасмагорическим сценам величайшую убедительность. Он отказывается от изображения действия, развертывающегося на переднем плане, и распространяет его на весь мир. Он сообщает своим многофигурным драматическим феериям жуткий в своей всеобщности оттенок. Иногда он вводит в картину инсценировку пословицы – но в ней не остается юмора. А в центре он помещает маленькую беззащитную фигурку святого Антония. Таков, например, алтарь с «Искушением святого Антония» на центральной створке из Лиссабонского музея. Но тут же Босх проявляет невиданно острое, обнаженное чувство реальности (особенно в сценах на внешних створках упомянутого алтаря).
В зрелых работах Босха мир безграничен, но его пространственность иная – менее стремительная. Воздух кажется прозрачнее и сырее. Так написан «Иоанн на Патмосе».
На оборотной стороне этой картины, где в круге изображены сцены мученичества Христа, представлены удивительные пейзажи: прозрачный, чистый, с широкими речными просторами, высоким небом и другие – трагические и напряженные («Распятие»).
Но тем настойчивее Босх думает о людях. Он старается найти адекватное выражение их жизни. Он прибегает к форме большого алтаря и создает странное, фантасмагорическое грандиозное зрелище греховной жизни людей – «Сад наслаждений».
Последние работы художника странно сочетают фантастику и реальность его прежних работ, но при этом им свойственно чувство печальной примиренности. Рассыпаются сгустки злобных существ, ранее торжествующе распространявшихся по всему полю картины. Отдельные, маленькие, они еще прячутся под деревом, показываются из тихих речных струй или пробегают по пустынным, поросшим травой холмикам. Но они уменьшились в размерах, утратили активность. Они уже не нападают на человека. А он (по-прежнему это святой Антоний) сидит между ними – читает, думает («Святой Антоний», Прадо).
Босха не занимала мысль о положении в мире одного человека. Святой Антоний в его прежних работах беззащитен, жалок, но не одинок – собственно, он лишен той доли самостоятельности, которая позволила бы ему чувствовать себя одиноким. Теперь пейзаж соотносится именно с одним человеком, и в творчестве Босха возникает тема одиночества человека в мире.
С Босхом кончается искусство 15 века. Творчество Босха завершает этот этап чистых прозрений, потом напряженных исканий и трагических разочарований.
Но олицетворяемая его искусством тенденция не была единственной. Не менее симптоматична тенденция другая, связанная с творчеством мастера неизмеримо меньшего масштаба – Герарда Давида. Он умер поздно – в 1523 году (род. около 1460). Но, как и Босх, замыкал 15 век.
Уже его ранние работы («Благовещение»; Детройт) – прозаически-реального склада; произведения самого конца 1480–х годов (две картины на сюжет суда Камбиза; Брюгге, Музей) изобличают тесную связь с Баутсом; лучше других композиции лирического характера с развитой, активной пейзажной средой («Отдых на пути в Египет»; Вашингтон, Национальная
галерея). Но рельефнее всего невозможность для мастера выйти за пределы века видна в его триптихе с «Крещением Христа» (начало 16 века; Брюгге, Музей). Пристальность, миниатюрность живописи кажется идущей в прямое противоречие с большими масштабами картины. Реальность в его видении лишена жизни, выхолощена. За интенсивностью цвета нет ни духовного напряжения, ни ощущения драгоценности мироздания. Эмалевость живописной манеры холодна, замкнута в себе и лишена эмоциональной целенаправленности.
15 столетие в Нидерландах было порой великого искусства. К концу века оно исчерпало себя. Новые исторические условия, переход общества на другую ступень развития вызвали новый этап в эволюции искусства. Он зародился с началом 16 века. Но в Нидерландах с характерным для их искусства изначальным, идущим еще от ван Эйков сочетанием светского начала с религиозными критериями в оценке жизненных явлений, с неумением воспринять человека в его самодовлеющем величии, вне вопросов духовного приобщения к миру или к богу, – в Нидерландах новая эпоха неминуемо должна была прийти только после сильнейшего и тягчайшего кризиса всего предшествующего мировосприятия.
Если в Италии Высокое Возрождение явилось логическим следствием искусства кватроченто, то в Нидерландах такой связи не было. Переход к новой эпохе оказался особенно мучительным, так как во многом повлек за собой отрицание предшествующего искусства.
В Италии разрыв со средневековыми традициями произошел еще в 14 веке, и искусство итальянского Ренессанса сохранили целостность своего развития на всем протяжении эпохи Возрождения. В Нидерландах положение сложилось иначе. Использование средневекового наследия в 15 веке затрудняло применение сложившихся традиций в 16 столетии.
Для нидерландских живописцев грань между 15 и 16 веками оказалась связанной с коренной ломкой миросозерцания.
Искусство Нидерландов 16 столетия
Голландские художники внесли большую лепту в творчество мастеров, начинающих свою деятельность с XVII века и не останавливающихся до нынешнего времени. Однако влияние они имели не только на своих коллег, но и на профессионалов литературы (Валентен Пруст, Донна Тартт) и фотографии (Эллен Коой, Билл Гекас и другие).
Начало развития
В 1648 году Голландия получила независимость, однако за образование нового государства Нидерландам пришлось претерпеть акт мести со стороны Испании, уничтожившей около 10 тысяч человек во фламандском на тот момент городе Антверпене. Вследствие резни жители Фландрии эмигрировали с территорий, контролировавшихся испанской властью.
Исходя из этого, логично будет признать, что толчок к независимым голландским художникам исходил именно из фламандского творчества.
С XVII века происходят как государственные, так и художественные ответвления, что приводит к образованию двух, разграниченных по национальности школ искусств. Они имели общее происхождение, но в признаках достаточно сильно различались. Пока Фландрия оставалась под крыльями католицизма, Голландия испытывала на себе абсолютно новый расцвет, начиная с XVII столетия.
Голландская культура
В XVII веке новое государство только встало на путь своего развития, полностью разрывая связь с искусством прошедшей эпохи.
Борьба с Испанией постепенно затихала. Национальное настроение стало прослеживаться в народных кругах при отхождении от навязанного ранее властью католического вероисповедания.
Протестантское господство имело противоречивый взгляд на убранство, что привело к сокращению работ на религиозную тематику, и в дальнейшем только сыграло на руку светскому искусству.
Еще никогда до нынешнего времени настолько часто на картинах не изображали настоящую окружающую действительность. В своих работах голландские художники хотели показывать обыкновенную бытовую жизнь без прикрас, изысканных вкусов и благородства.
Светский художественный взрыв породил такие многочисленные направления как пейзаж, портрет, бытовой жанр и натюрморт (о существовании которого не знали даже самые развитые центры Италии и Франции).
Собственное видение голландских художников реализма, выражавшееся в портретных, пейзажных, интерьерных работах и картинах натюрморта, породило интерес всех слоев общества к данному мастерству.
Таким образом, голландское искусство XVII столетия прозвали "Золотым веком голландской живописи", закрепив за ним статус самой выдающейся эпохи в живописи Нидерландов.
Важно знать: существует ошибочное мнение, что голландская школа изображала лишь посредственность человеческого бытия, но мастера тех времен нагло рушили рамки с помощью своих фантастических произведений (например, "Пейзаж с Иоанном Крестителем" Блумарта).
Голландские художники 17 века. Рембрандт
Одним из самых крупных художественных фигур Голландии принято считать Рембрандта Харменса ван Рейна. Помимо деятельности художника, он также занимался гравюрой и по праву считался мастером светотеней.
Его наследие богато индивидуальным разнообразием: портреты, жанровые сценки, натюрморты, пейзажи, а также картины на сюжеты истории, религии и мифологии.
Его умение владеть светотенью позволяло усиливать эмоциональную выразительность и одухотворенность человека.
Трудясь над портретами, он работал над мимикой человека.
В связи с душераздирающими трагичными событиями его поздние работы наполнялись тусклым, обличающим глубокие переживания людей светом, вследствие чего гениальные работы стали никому не интересны.
На тот момент в моде были внешние красоты без попыток погружений в глубину, а также натуралистичность, идущая врознь с откровенным реализмом.
Картину "Возвращение блудного сына" воочию может увидеть каждый русский любитель изобразительного искусства, так как данная работа находится в Эрмитаже города Санкт-Петербург.
Франс Хальс
Франс Хальс - великий голландский художник и крупнейший портретист, помогший ввести жанр свободного письма в отечественное искусство.
Работой, принесшей ему известность, стала картина под названием "Банкет офицеров стрелковой роты св. Георгия", написанная в 1616 году.
Его портретные работы для того времени были чересчур естественны, что шло врознь с настоящим днем. Вследствие того, что художник оставался непонятым, он, как и великий Рембрандт, окончил свою жизнь в нищете. "Цыганка" (1625-1630) является одной из самых известных его работ.
Ян Стен
Ян Стен - один из самых остроумных и веселых на первый взгляд голландских художников. Высмеивая социальные пороки, он любил прибегать к мастерству сатиры социума. Он, развлекая зрителя безобидными, смешными изображениями гуляк и дам легкого поведения, на самом деле предостерегал от подобного образа жизни.
Также у художника были и более спокойные картины, например, работа "Утренний туалет", на первый взгляд казавшаяся абсолютно невинным действом. Но если присмотреться в детали, то можно достаточно сильно удивиться от их откровений: это и следы от чулков, ранее сдавливающих ноги, и наполненный чем-то неприличным ночью горшок, а также собака, позволяющая себе находиться прямо на подушке хозяйки.
В лучших собственных работах художник опережал своих коллег по изящно умелому сочетанию цветовых палитр и мастерству владения теней.
Иные голландские художники
В данной статье были перечислены всего лишь три ярких персоны из десятков, достойных наравне с ними стоять в одном списке:
Итак, в данной статье вы познакомились с голландскими художниками 17 века и их работами.
Голландская живопись до конца XVI века нераздельно связана с фламандской и имеет общее название «нидерландской школы». Обе они, являясь ответвлением немецкой живописи считают своими родоначальниками братьев ван-Эйков и долго идут по одному направлению, развивают одну и ту же технику, так что художники Голландии ничем не отличаются от своих фландрских и брабантских собратий.
Когда голландский народ избавился от угнетения Испании, голландская живопись приобретает национальный характер. Голландских художников отличает воспроизведение природы с особой любовью во всей ее простоте и правде и тонкое чувство колорита.
Голландцы первые постигли, что даже в неодушевленной природе все дышит жизнью, все привлекательно, все способно вызывать мысль и возбуждать движение сердца.
Среди пейзажистов, истолковывающих свою отечественную природу, особенно уважаются Ян ван Гойен (1595-1656), который, вместе с Эзаиасом ван де Вельде (ок. 1590-1630) и Питером Молейном Старшим (1595-1661), считается основателем голландского ландшафта.
Но художников Голландии нельзя распределить на школы. Выражение «голландская школа живописи» весьма условно. В Голландии имели место организованные общества художников, представлявшие собой свободные корпорации, защищавшие права их членов и не влиявшие на творческую деятельность.
Особенно ярко сияет в истории имя Рембрандта (1606-1669), в личности которого сосредоточились все лучшие качества голландской живописи и его влияние отразилось во всех ее родах - в портрете, исторических картинах, бытовых сценах и пейзаже.
В XVII веке успешно развивалась бытовая живопись, первые опыты которой отмечаются еще в старой нидерландской школе. В этом жанре наиболее известны стали имена Корнелиса Бега (1620-64), Рихарта Бракенбюрга (1650-1702), Корнелиса Дюзарта (1660-1704) Генрика Рокеса, прозванного Зоргом (1621-82),
К разряду жанристов можно причислить художников, писавших сцены военного быта. Главный представитель этой отрасли живописи - знаменитый и необычайно плодовитый Филипс Воуверман (1619-68)
В особый разряд можно выделить мастеров, которые в своих картинах соединяли пейзаж с изображением животных, Знаменитейший в ряду таких живописцев сельской идиллии - Паулюс Поттер (1625-54); Альберт Кейп (1620-91).
С величайшим вниманием художники Голландии относились к морю.
В творчестве Виллема ван де Вельде Старшего (1611 или 1612-93), его знаменитого сына Виллема ван де Вельде Младшего (1633-1707), Людольфа Бакгейзена (1631-1708), живопись морских видов составила их специальность.
В области натюрморта приобрели наибольшую известность Ян-Давидс де Гэм (1606-83), его сын Корнелис (1631-95), Абрагам Миньон (1640-79), Мельхиор де Гондекутер (1636-95), Мария Остервейк (1630-93).
Блестящий период голландской живописи тянулся недолго - лишь одно столетие.
С началом XVIII в. наступает ее упадок, причиной тому вкусы и воззрения напыщенной эпохи Людовика XIV. Вместо прямого отношения к природе, любви к отечественному и искренности водворяется господство предвзятых теорий, условность, подражание корифеям французской школы. Главным распространителем этого прискорбного направления был поселившийся в Амстердаме фламандец Герард де Лересс (1641-1711),
Упадку школы способствовал также знаменитый Адриан ван де Верфф (1659-1722), тусклый колорит картин которого казался некогда верхом совершенства.
Чужеземное влияние тяготело над голландскою живописью до двадцатых годов XIX века.
Впоследствии голландские художники обратились к своей старине - к строгому наблюдению природы.
Особенно богата новейшая голландская живопись пейзажистами. К их числу принадлежат Андреас Схелфхаут (1787-1870), Барент Куккук (1803-62), Антон Мауве (1838-88), Якоб Марис (р. 1837), Иоганнес Вейссенбрух (1822-1880) и др.
Между новейшими маринистами Голландии пальма первенства принадлежит Иоханнесу Схотелю (1787-1838).
В живописи животных выказал большое искусство Воутерс Версхур (1812-74).
Купить репродукции картин голландских художников вы можете в нашем интернет-магазине.
Голландия. 17 век. Страна переживает небывалый расцвет. Так называемый «Золотой Век». В конце 16 века несколько провинций страны добились независимости от Испании.
Теперь простестанские Нидерланды пошли своим путём. А католическая Фландрия (нынешняя Бельгия) под крылом Испании – своим.
В независимой Голландии религиозная живопись почти никому стала не нужна. Протестанская церковь не одобряла роскошь убранства. Но это обстоятельство «сыграло на руку» живописи светской.
Любовь к этому виду искусства проснулась буквально у каждого жителя новой страны. Голландцам хотелось видеть на картинах собственную жизнь. И художники охотно шли им навстречу.
Ещё никогда окружающую действительность столько не изображали. Обычных людей, обыкновенные комнаты и самый заурядный завтрак горожанина.
Реализм процветал. Вплоть до 20 века он будет достойным конкурентом академизму с его нимфами и греческими богинями.
Этих художников называют «малыми» голландцами. Почему? Картины были маленькие по размеру, ведь они создавались для небольших домов. Так, почти все картины Яна Вермеера в высоту не более полуметра.
Но мне больше нравится другая версия. В Нидерландах в 17 веке жил и творил великий мастер, «большой» голландец. А все остальные по сравнению с ним были «малыми».
Речь идёт, конечно, о Рембрандте. С него и начнём.
1. Рембрандт (1606-1669 гг.)
Рембрандт. Автопортрет в возрасте 63 лет. 1669 г. Национальная Лондонская галерея
Рембрандту довелось испытать широчайшую гамму эмоций в течение своей жизни. Поэтому в его ранних работах так много веселья и бравады. И так много сложных чувств – в поздних.
Вот он молод и беззаботен на картине «Блудный сын в таверне». На коленях – любимая жена Саския. Он – популярный художник. Заказы льются рекой.
Рембрандт. Блудный сын в таверне. 1635 г. Галерея старых мастеров, Дрезден
Но все это исчезнет через каких-то 10 лет. Саския умрет от чахотки. Популярность растворится, как дым. Большой дом с уникальной коллекцией заберут за долги.
Но появится тот самый Рембрандт, который останется на века. Оголенные чувства героев. Их самые сокровенные мысли.
2. Франс Хальс (1583-1666 гг.)
Франс Хальс. Автопортрет. 1650 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк
Франс Хальс – один из величайших портретистов всех времён. Поэтому я бы его тоже причислила к «большим» голландцам.
В Голландии в то время было принято заказывать групповые портреты. Так появилось множество подобных работ с изображением работающих вместе людей: стрелки одной гильдии, врачи одного городка, управляющие домом престарелых.
В этом жанре больше всех как раз выделяется Хальс. Ведь большинство таких портретов были похожи на колоду карт. Сидят себе за столом люди с одинаковым выражением лица и просто смотрят. У Халса же было по-другому.
Посмотрите на его групповой портрет «Стрелки гильдии св. Георгия”.
Франс Хальс. Стрелки гильдии св. Георгия. 1627 г. Музей Франса Хальса, Гарлем, Нидерланды
Здесь вы не найдёте ни одного повторения в позе или выражении лица. При этом и хаоса здесь нет. Персонажей много, но лишним никто не кажется. Благодаря удивительно верной расстановке фигур.
Да и в одиночном портрете Хальс превосходил многих художников. Его модели естественны. Люди из высшего общества на его картинах лишены надуманного величия, а модели из низов не выглядят униженными.
А ещё его герои очень эмоциональны: они улыбаются, смеются, жестикулируют. Как, например, это «Цыганка» с лукавым взглядом.
Франс Хальс. Цыганка. 1625-1630 гг.
Хальс, как и Рембрандт, закончил жизнь в нищете. По той же причине. Его реализм шел вразрез со вкусами заказчиков. Которым хотелось, чтобы их внешность приукрашивали. Хальс не шёл на откровенную лесть, и тем самым подписал себе приговор – «Забвение».
3. Герард Терборх (1617-1681 гг.)
Герард Терборх. Автопортрет. 1668 г. Королевская галерея Маурицхейс, Гаага, Нидерланды
Терборх был мастером бытового жанра. Богатые и не очень бюргеры неспешно разговаривают, дамы читают письма, а сводница наблюдает за ухаживанием. Две-три тесно расположенные фигуры.
Именно этот мастер выработал каноны бытового жанра. Которые потом позаимствует Ян Вермеер, Питер де Хох и многие другие «малые» голландцы.
Герард Терборх. Бокал лимонада. 1660-ые года. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
«Бокал лимонада» – одна из известных работ Терборха. На ней видно ещё одно достоинство художника. Невероятно реалистичное изображение ткани платья.
Есть у Терборха и необычные работы. Что говорит о его желании выйти за рамки требований заказчиков.
Его «Точильщик» показывает жизнь самых бедных жителей Голландии. Мы привыкли видеть на картинах «малых» голландцев уютные дворики и чистые комнаты. А вот Терборх осмелился показать неприглядную Голландию.
Герард Терборх. Точильщик. 1653-1655 гг. Государственные музеи Берлина
Как вы понимаете, такие работы не пользовались спросом. И они – редкое явление даже у Терборха.
4. Ян Вермеер (1632-1675 гг.)
Ян Вермеер. Мастерская художника. 1666-1667 гг. Музей истории искусств, Вена
Как выглядел Ян Вермеер, достоверно не известно. Лишь очевидно, что на картине «Мастерская художника» он изобразил себя. Правда со спины.
Поэтому удивительно, что недавно стал известен новый факт из жизни мастера. Связан он с его шедевром «Улочка Делфта».
Ян Вермеер. Улочка Делфта. 1657 г. Государственный музей в Амстердаме
Выяснилось, что на этой улице прошло детство Вермеера. Изображённый дом принадлежал его тётке. Она растила в нем своих пятерых детей. Возможно, это она сидит на пороге с шитьем, а двое ее детей играют на тротуаре. Сам Вермеер жил в доме напротив.
Но чаще он изображал внутреннюю обстановку этих домов и их обитателей. Казалось бы, сюжеты картин очень просты. Вот миловидная дама, обеспеченная горожанка, проверяет работу своих весов.
Ян Вермеер. Женщина с весами. 1662-1663 гг. Национальная галерея искусства, Вашингтон
Чем же Вермеер выделялся среди тысяч других «малых» голландцев?
Он был непревзойденным мастером света. На картине «Женщина с весами» свет мягко обволакивает лицо героини, ткани и стены. Придавая изображенному неведанную одухотворенность.
А ещё композиции картин Вермеера тщательно выверены. Вы не найдёте ни одной лишней детали. Достаточно убрать одну из них, картина «рассыпется», и волшебство уйдёт.
Все это давалось Вермееру нелегко. Такое потрясающее качество требовало кропотливой работы. Всего 2-3 картины в год. Как следствие, невозможность прокормить семью. Вермеер работал ещё арт-дилером, продавая работы других художников.
5. Питер де Хох (1629-1884 гг.)
Питер де Хох. Автопортрет. 1648-1649 гг. Рейксмусеум, Амстердам
Хоха часто сравнивают с Вермеером. Они работали в одно время, даже был период, что в одном городе. И в одном жанре – бытовом. У Хоха мы тоже видим одну-две фигуры в уютных голландских двориках или комнатах.
Открытые двери и окна делают пространство его картин многослойным и занимательным. А фигуры вписаны в это пространство очень гармонично. Как, например, на его картине «Служанка с девочкой во дворике».
Питер де Хох. Служанка с девочкой во дворике. 1658 г. Лондонская национальная галерея
До 20 века Хох ценился очень высоко. А вот малочисленные работы его конкурента Вермеера мало, кто замечал.
Но в 20 веке все изменилось. Слава Хоха померкла. Однако его достижения в живописи сложно не признать. Мало, кто мог так грамотно сочетать окружающую обстановку и людей.
Питер де Хох. Игроки в карты в солнечной комнате. 1658 г. Королевское художественное собрание, Лондон
Обратите внимание, что в скромном доме на полотне «Игроки в карты» висит картина в недешевой раме.
Это в очередной раз говорит о том, как среди обычных голландцев была популярна живопись. Картины украшали каждый дом: и дом богатого бюргера, и скромного горожанина, и даже крестьянина.
6. Ян Стен (1626-1679 гг.)
Ян Стен. Автопортрет с лютней. 1670-ые гг. Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид
Ян Стен, пожалуй, самый веселый «малый» голландец. Но любящий нравоучения. Он часто изображал таверны или бедные дома, в которых водился порок.
Его главные герои – гуляки и дамы легкого поведения. Он хотел развлекать зрителя, но подспудно предостерегать его от порочной жизни.
Ян Стен. Кавардак. 1663 г. Музей истории искусства, Вена
Есть у Стена и более спокойные работы. Как, например, “Утренний туалет”. Но и здесь художник удивляет зрителя слишком откровенными деталями. Тут и следы от резинки чулок, и не пустой ночной горшок. Да и как-то совсем не кстати собака лежит прямо на подушке.
Ян Стен. Утренний туалет. 1661-1665 гг. Рейксмусеум, Амстердам
Но несмотря на всю несерьёзность, цветовые решения Стена очень профессиональны. В этом он превосходил многих «малых голландцев». Посмотрите, насколько красный чулок прекрасно сочетается с голубой курткой и ярко-бежевым половиком.
7. Якобс Ван Рейсдал (1629-1882 гг.)
Портрет Рейсдала. Литография из книги 19 века.
Введение
1. Малые голландцы
Голландская школа живописи
Жанровая живопись
4. Символика. Натюрморт
Рембрандт ван Рейн
Вермеер Делфтский Ян
Заключение
Введение
Цель контрольной работы заключается:
·В развитии творческого потенциала;
·Формированию интереса к искусству;
·Закрепление и пополнение знаний.
В XVII веке зародилось голландское искусство. Это искусство считается самостоятельным и независимым, оно обладает определенными формами и особенностями.
До XVII века Голландия не имела своих значимых художников в искусстве, т.к. входила в государство Фландрии. Однако нескольких художников отмечают в данный период времени. Это художник и гравер Лука Лейденский(1494-1533), живописец Дирк Боутс(1415-1475), художник Скореле (1495-1562).
Постепенно смешивались разные школы и мастера теряли отличительные черты своих школ, а оставшиеся художники Голландии перестают иметь дух национального творчества. Появляется много различных и новых стилей. Художники пытаются писать картины во всех жанрах, ища индивидуальный стиль. Жанровые методы стирались: историчность не так обязательна, как ранее. Создается новый жанр - групповые портеры.
В начале XVII века, когда решалась судьба Голландии - Филипп IIIдоговорился о перемирии между Испанией и Нидерландами. Нужна была революция, политическая или военная ситуация. Борьба за независимость объединила народ. Война укрепила национальный дух. Подписанные договора с Испанией, дали Голландии свободу. Это подтолкнуло к созданию собственного и особенного искусства, выражавшее сущность голландцев.
Особенность голландских художников заключалось в создании реального образа до мельчайших подробностей - проявление чувств и мыслей. Это основа голландской школы. Она становится реалистическим искусством, а к середине XVII века достигает вершин во всех областях.
Для Голландии типично разделение не только на жанры, но и на многочисленные подвиды. Одни мастера пишут сцены из быта бюргеров и офицеров - Питер де Хоох (1495-1562), Герард Терборх (1617-1681), Габриэль Метсю (1629-1667), вторые - из крестьянской жизни - Адриан ван Остаде (1610-1685), третьи - сцены из быта учёных и врачей - Геррит Доу (1613-1675); пейзажисты - Ян Порселлис (1584-1632), Симон де Влигер (1601-1653), изобразители лесных уголков - Мейндерт Хоббема (1638-1609), мастера интерьера - Питер Янсенс (1623-1682). Периодически в художественных школах становится традиционным определённый жанр. Например, гарлемские живописцы натюрморта к так называемым «завтракам» - Питер Клас (1598-1661), Виллем Хеда (1594-1680).
Художники показывают нравы и обычаи, этические и моральные нормы поведения человека. Часто изображают семейные события. Пейзажисты и мастера натюрморта передают свет под открытым небом, в закрытых помещениях мастерски изображают фактуру предметов. Бытовая живопись находится на вершине, благодаря Яну Стену (1626-1679), Герхарду Терборх (1617-1681), Питеру де Хоху (1629-1624).
1. Малые голландцы
Малые голландцы - группа художников XVII века, в которую «объединяются» живописцы пейзажной и бытовой жанровой картины маленького размера (отсюда и название). Такие картины предназначались для скромного интерьера жилых домов. Их приобретали горожане и крестьяне. Для таких картин характерно ощущение уюта на картине, тонкость деталей, близость человека и интерьера.
П. де Хох, Я. ван Гойен (1596-1656), Я. и С. ван Рёйсдал (1628-1682) и (1602 - 1670), Э. де Витте (1617-1692), П. Клас, В. Хеда, В. Калф (1619-1693), Г. Терборх, Г. Метсю, А. ван Остаде, Я. Стен (1626-1679), А. Кёйп (1620-1691) и др. Каждый специализировался, как правило, в одном каком-то жанре. «Малые голландцы» продолжили традиции нидерландских мастеров эпохи Возрождения, утверждавшие, что искусство должно не только приносить удовольствие, но и напоминать о ценностях.
Творчество художников можно разделись на 3 группы:
1630-е гг. - утверждение реализма в национальной живописи (ведущим художественным центром был Харлем, важным фактором являлось влияние Ф. Хальса);
1640-1660-е гг. - расцвет художественной школы (центр искусства перемещается в Амстердам, привлекающий художников из других городов, актуальным становится влияние Рембрандта <#"justify">2. Голландская школа живописи
Три четверти века продолжался подъем искусства на севере Нидерландов, в республике Соединенных провинций, называвшейся Голландией. В 1609 г. эта республика получила статус государства. Здесь сложилось буржуазное государство.
Значительную роль на живопись эпохи возрождения оказал итальянский художник Караваджо (1571-1610). Он писал свои картины очень реалистичными, а предметы и фигуры имели высокую технику светотени.
Художников было много, и жили они в небольших городах: Харлеме, Дельфте, Лейдене. В каждом из этих городов сложилась своя школа с присущей ей жанровой тематикой, но Амстердам играл самую важную роль в развитии голландского искусства.
3. Жанровая живопись
В Голландии вместе с известностью жанра пейзаж, появляются новые: марина - морской пейзаж, городской пейзаж - ведута, изображение животных - анималистическая живопись. Значительное влияние на пейзаж оказывали произведения Питера Брейгеля(1525-1529). Голландцы писали свою, своеобразную красоту природы родного края. В XVII веке голландская школа живописи стала одной из ведущих в Европе. Окружающие объекты людей стали источником вдохновения для художников. В искусстве этого времени завершилось формирование системы жанров, которое началось еще в эпоху Возрождения. В портретах, бытовых картинах, пейзажах и натюрмортах художники передавали свои впечатления от природы и быта. Новое представление стал иметь жанр бытовой живописи - жанровая живопись. Бытовой жанр сложился в двух разновидностях - крестьянский и бюргерский (городской) жанр. В жанровых картинах изображали быт частного человека: пирушки гуляк, хозяйственная деятельность, музицирование. Художники обращали внимание на внешнюю сторону, позы, костюмы. Частью уюта становились предметы: столик красного дерева, шкаф, кресло, обитое кожей, графин темного стекла и бокал, фрукты. Такой жанр отражал поведение и общение людей, принадлежащих к различным сословиям.
Работы Гарарда Доу пользовались тогда большой популярностью. Он пишет скромные сцены из быта мелкой буржуазии. Часто изображает пожилых женщин, сидящих за прялкой или читающих. Явная тенденция Доу - выписывание в своих небольших картинках поверхности предметов - узоры тканей, морщины старческих лиц, чешую рыбы и т. д. (приложение; рис.
Но жанровая живопись потерпела эволюцию. В период становления ее заново, были распространены сюжеты на темы отдыха, развлечений, сцены из жизни офицеров. Такие картины назывались «завтраки», «банкеты», «общества», «концерты». Эта живопись отличалась пестротой цвета и радостными тонами. Оригинальным стал жанр - «завтраков». Это вид натюрморта, в котором через изображение посуды, разнообразных блюд передавался характер их владельцев.
Бытовой жанр - самое отличительное и самобытное явление голландской школы, открывшее для мирового искусства повседневность жизни частного человека.
В жанровой теме искусства писал и Ян Стен. Он с чувством юмора подмечал подробности быта и взаимоотношения людей. В картине «Гуляки» на зрителя весело и лукаво смотрит сам художник, сидящий рядом с женой, уснувшей после веселого застолья. А в картине через мимику и жесты персонажей Ян Стен умело раскрывает сюжет мнимой болезни.
К началу 30-х годов произошло завершение формирования голландской жанровой картины. Делили жанровую живопись по социальному признаку: сюжеты на темы из жизни буржуазии, и сцены из жизни крестьян и городской бедноты.
Одним из известных художников, писавшем в «крестьянском жанре», был Адриан ван Остад. В ранний период творчества, изображение крестьян отличалось комичностью. Так, в картине, освещенные резким светом дерущиеся, кажутся не живыми людьми, а марионетками. Противопоставление холодных и теплых цветов, резкие контрасты света создают на их лицах маски со злобными эмоциям.
Позже, художник пишет картины с более спокойными сюжетами, изображая человека во время привычных занятий, чаще всего в минуты отдыха. Например, интерьерная картина «Деревенские музыканты». Остаде передает сосредоточенность «музыкантов», с едва заметным юмором изображая наблюдающих за ними в окно детей. В «крестьянском жанре» работал и рано умерший брат Адриана - Иcаак ван Остаде. Он изображал жизнь сельской Голландии. В картине «Зимний вид» представлен типичный пейзаж с серым, нависшим над землей небом, замерзшей рекой, на берегу которой, расположена деревня.
В 50-60 годы XVII века тематика жанровых картин сужается, меняется их строй. Они становятся спокойнее, лиричнее, задумчивее. Этот этап представлен творчеством таких художников как: Питер де Хох, Герард Терборх, Габриэль Метсю, Питер Янсенс. Их работы характерны идеализированным образом быта голландской буржуазии. Так, в интерьерной картине «Комната в голландском доме» Питера Янсенса изображена залитая солнечным светом уютная комната с играющими на полу и на стенах солнечными зайчиками. Выбор композиции подчеркивает единство человека и окружающей его среды.
Голландские жанристы пытались отразить в работах внутренний мир человека. В регулярно происходящих ситуациях они смогли показать мир переживаний. Так, Герард Терборх в картине «Бокал лимонада» изобразил едва уловимый язык жестов, прикосновений рук, встреч взглядами раскрывает целую гамму чувств и взаимоотношений персонажей.
Тонкость, правдивость в воссоздании действительности сочетается у голландских мастеров с неприметной и будничной красотой. Эта черта проявилась нагляднее в натюрморте. Голландцы его называли «stilleven». В это понимание мастера видели в неодушевленных предметах скрытую жизнь, связанную с жизнью человека, с его бытом, привычками, вкусами. Голландские живописцы создавали впечатление естественного «беспорядка» в расположении вещей: они показывали разрезанный пирог, очищенный лимон с висящей спиралью кожурой, недопитый бокал вина, горящую свечу, раскрытую книгу - всегда кажется, что кто-то касался этих предметов, только, что пользовался ими, ощущается незримое присутствие человека.
Ведущими мастерами голландского натюрморта первой половины XVII века были Питер Клас1 и Виллем Хед. Любимая тема их натюрмортов - так называемые «завтраки». В «Завтраке с омаром» В. Хеды (приложение; рис. 16) предметы самой различной формы и материала - кофейник, бокал, лимон, серебряная тарелка. Предметы скомпонованы так, чтобы увидеть привлекательность и особенность каждого. Разнообразными приемами Хеда великолепно передает материал и специфику их фактуры; так, блики света по-разному играют на поверхности стекла и металла. Все элементы композиции объединены светом и колоритом. В «Натюрморте со свечой» П. Класса замечательна не только точность воспроизведения материальных качеств предметов - композиция и освещение придают им большую эмоциональную выразительность. Натюрморты Класса и Хеды похожи между собой - это настроение интимности и уюта, спокойствие в жизни бюргерского дома, где есть достаток. Натюрморт можно рассматривать как одну из важных тем голландского искусства - темы жизни частного человека. Свое главное решение она получила в жанровой картине.
Символика. Натюрморт
Все предметы в голландском натюрморте символичны. Сборники, издававшиеся на протяжении XVIII <#"justify">oосыпавшиеся лепестки возле вазы - знаки бренности;
oувядший цветок - намек на исчезновение чувства;
oирисы - знак Богородицы;
oкрасные цветы - символ искупительной жертвы Христа;
oбелая лилия не только прекрасный цветок, но и символ непорочности Девы Марии;
oгвоздика - символ пролитой крови Христа;
oбелый тюльпан - ложная любовь.
oгранат - символ воскресения, символ целомудрия;
oяблоки, персики, апельсины напоминали о грехопадении;
oвино в бокале или кувшине олицетворяло жертвенную кровь Христа;
oоливка - символ мира;
oгнилые фрукты - символ старения;
oколосья пшеницы, плюща - символ возрождения и круговорота жизни.
oстекло - символ хрупкости;
oфарфор - чистота;
oбутылка - символ греха и пьянства;
oразбитая посуда - символ смерти;
oперевернутый или пустой бокал обозначает пустоту;
oнож - символ предательства;
oсеребряные сосуды - олицетворение богатства.
oпесочные часы - напоминание о быстротечности жизни;
oчереп - напоминание о неизбежности смерти;
oколосья пшеницы - символы возрождения и круговорота жизни;
oхлеб - символ тела Господа;
oоружие и доспехи - символ власти и могущества, обозначение того, что нельзя забрать с собой в могилу;
oключи - символизируют власть;
oкурительная трубка - символ быстротечных и неуловимых земных наслаждений;
oкарнавальная маска - является знаком отсутствия человека; безответственного удовольствия;
oзеркала, стеклянные шары - символы тщеславия, знак отражения, ирреальности.
Основы голландского реалистического пейзажа складывались на протяжении вначале XVII века. Художники изображали, полюбившуюся им природу с дюнами и каналами, домиками и селениями. Они старались изобразить национальность пейзажа, атмосферу воздуха и характерность времени года. Мастера все чаще подчиняли все компоненты картины единому тону. Они тонко чувствовали цвета, умело владели передачей переходов из света в тень, из тона в тон.
Крупнейший представитель голландского реалистического пейзажа был Ян ван Гойен (1596-1656). Он работал в Лейдене и Гааге. Художник любил изображать долины и водную гладь рек на небольших по размеру полотнах. Много места Гойен оставлял небу с облаками. Такова картина «Вид реки Вааль у Неймегена», выдержанная в тонкой коричнево-серой гамме красок.
Позднее, характерная сущность пейзажей меняется. Она становится немного шире, более эмоциональной. Специфика остается той же- сдержанной, но тона приобретают глубину.
Все новые черты пейзажного стиля воплотил в своих картинах Якоб ван Рейсдаль (1629-1682). Изображая объемными деревья и кусты, создавалось ощущение, что они выдвигаются на передний план и становятся мощнее. Великолепно владения чувством перспективы, Рейсдаль умело передавал широкие равнины и окрестности Голландии. Выбор тона и освещения навевает сосредоточенность. Рейсдаль любил и руины, как декоративные детали, говорящие о разрушении, бренности земного существования. «Еврейское кладбище», представляет запущенную местность. Рейсдаль не пользовался в свое время успехом. Реализм его картин не соответствовал вкусам общества. Художник, заслуженно пользующийся теперь мировой славой, умер бедняком в богадельне Гарлема.
Портретная живопись. Франс Хальс
Одним из великих голландских художников был Франс Хальс (около 1580-1666). Он родился в XVII веке в Антверпене. Совсем юным художником попал в Харлем, где вырос и сформировался в манере школы Карела Ван Мандера. Харлем гордился своим художником, и приводили к нему в мастерскую именитых гостей - Рубенса и Ван Дейка.
Хальс был почти исключительно портретистом, но его искусство много значило не только для портретной живописи Голландии, но и для формирования других жанров. В творчестве Хальса можно выделить три вида портретных композиций: групповой портрет, заказной индивидуальный портрет и особый тип портретных изображений, близкий по характеру жанровой живописи.
В 1616 году Хальс пишет картину «Банкет офицеров роты стрелкового полка Святого Георгия», в которой полностью порывает с традиционной схемой группового портера. Создавая очень живое произведение, объединяя персонажи в группы и придавая им различные позы, он как бы срастил воедино портрет с жанровой живописью. Произведение имело успех, а художник был завален заказами.
Его персонажи держатся на портрете естественно и свободно, их поза, жесты кажутся неустойчивыми, а на лицах вот-вот должно сменится выражение. Примечательнейшая черта творческой манеры Хальса - это способность передать характер через индивидуальную мимику и жест, словно пойманные на лету - «Веселый собутыльник», «Мулат», «Улыбающийся офицер». Художник любил эмоциональные состояния, полные динамики. Но в этом мгновенном, что запечатлевал Хальс, всегда схвачено самое существенное, сердцевина образа «Цыганка», «Малле Бабе».
Однако в образах Хальса самого конца 30-х и 40-х годов появляются задумчивость и грусть, чуждые его персонажам портрет Виллема Хейтхейсена, а порой проскальзывает легкая ирония в отношении художника к ним. Из искусства Хальса постепенно уходит ликующее приятие жизни и человека.
Настали переломные моменты в живописи Хальса. В портретах Хальса, написанных в 50-е и 60-е годы, углубленное мастерство характеристики сочетается с новым внутренним смыслом. Одно из самых сильных произведений позднего Хальса - мужской портрет из Метрополитен-музея в Нью-Йорке (1650-1652). Композиция портрета - поколенный образ фигуры, ее постановка в чистый фас, взгляд, направленный прямо на зрителя, чувствуется значительность личности. В осанке мужчины читаются холодная властность и высокомерное презрение ко всем. Чувство собственного достоинства соединяется в нем с безмерным честолюбием. В то же время в взгляде неожиданно улавливается оттенок разочарования, словно в этом человеке, таится сожаление о прошлом - о своей молодости и молодости своего поколения, чьи идеалы забыты, а жизненные стимулы угасли.
Портреты Хальса 50-60-х годов многое раскрывают в голландской действительности тех лет. Художник прожил долгую жизнь, и ему довелось стать свидетелем перерождения голландского общества, исчезновения его демократического духа. Не случайно выходит теперь из моды искусство Хальса. Поздние произведения Хальса чутко отражают дух времени, столь чуждый мастеру, но в них слышится и его собственное разочарование в окружающей действительности. В некоторых работах этих лет улавливается отзвук личных чувств старого художника, терявшего прежнюю славу и уже видевшего конец своего жизненного пути.
За два года до смерти, в 1664 году, были написаны Хальсом портреты регентов и регентш (попечителей) харлемского приюта для престарелых.
В «Портрете регентов» всех объединяет чувство разочарования и обреченности. В регентах нет жизненной силы, как на ранних групповых портретах Хальса. Каждый одинок, каждый существует сам по себе. Черные тона с красновато-розовыми пятнами создает трагическую атмосферу.
В ином эмоциональном ключе решен «Портрет регентш». В почти недвижных позах черствых, не знающих сострадания старух чувствуется хозяйская властность и вместе с тем во всех них живет глубокая подавленность, чувство бессилия и отчаяния перед лицом надвигающейся смерти.
До конца дней Хальс сохранил непогрешимость своего мастерства, а искусство восьмидесятилетнего живописца получило проникновенность и силу.
6. Рембрандт ван Рейн
Рембранд (1606-1669) - крупнейший представитель золотого века голландской живописи. Родился в Лейдене в 1606 году. Для получения художественного образования, художник переезжает в Амстердам и поступает в мастерскую Питера Ластмана, а затем возвращается в Лейден, где в 1625 году начинает самостоятельную творческую жизнь. В 1631 г Рембрандт окончательно переезжает в Амстердам, и вся остальная жизнь мастера связана с этим городом.
Творчество Рембрандта, проникнуто к философскому постижению жизни и внутреннего мира человека. Это является вершиной развития голландского искусства XVII века. Художественное наследие Рембрандта отличается многообразием жанров. Он писал портреты, натюрморты, пейзажи, жанровые сцены, картины на исторические, библейские, мифологические темы. Но наибольшей глубины работы художника достигают в последние годы его жизни. Уффици располагает тремя работами великого мастера. Это автопортрет в юности, автопортрет в старости, портрет старика (раввин) Во многих поздних работах художник погружает всю поверхность холста в сумрак, акцентируя внимание зрителя на лице.
Таким изобразил себя Рембрандт в возрасте 23 лет.
Период переезда в Амстердам ознаменовался в творческой биографии Рембрандта созданием множества мужских и женских этюдов
В 1653 году, испытывая материальные трудности, художник передал почти всё своё имущество сыну Титусу, после чего заявил в 1656 г. о банкротстве. После продажи дома и имущества художник переехал на окраину Амстердама, в еврейский квартал, где провёл остаток жизни. Самым близким к нему человеком в те годы, по-видимому, Титус, т.к. его изображения наиболее многочисленны. Смерть Титуса в 1668 году стала для художника одним из последних ударов судьбы; его самого не стало годом позже. «Матфей и ангел» (1661). Возможно, моделью для ангела являлся Титус.
Последние два десятилетия жизни Рембрандта стали вершиной его мастерства как портретиста. Моделями выступают товарищи художника (Николас Брейнинг
7. Вермеер Делфтский Ян
голландский искусство живопись натюрморт
Вермеер Делфтский Ян (1632-1675) - голландский живописец, крупнейший мастер нидерландской жанровой и пейзажной живописи. Работал Вермеер в Делфте. Как художник сложился под влиянием трагически погибшего при взрыве порохового склада Карела Фабрициуса.
Ранние картины Вермеера имеют возвышенность образов (Христос у Марфы и Марии). Сильное влияние на творчество Вермеера оказало творчество мастера жанровой живописи Питера де Хооха. Стиль этого живописца в дальнейшем находит развитие в картинах Вермеера.
Со второй половины 50-х годов Вермеер писал небольшие картины с одной или несколькими фигурам в серебристом свете интерьера дома (Девушка с письмом, Служанка с кувшином молока). В конце 50-х годов Вермеер создал два шедевра пейзажной живописи: проникновенную картину Улочка с сияющими, свежими, чистыми, красками и картину Вид города Делфта. В 60-е годы творчество Вермеера становится более изысканным, а живопись - холодной. (Девушка с жемчужной сережкой).
В конце 60-х годов художник часто изображал богато обставленные комнаты, где дамы и кавалеры музицируют и ведут галантные беседы.
В последние годы жизни Вермеера его финансовое положение сильно ухудшилось. Спрос на картины резко упал, живописец вынужден был брать ссуды, чтобы прокормить одиннадцать детей и других членов семьи. Вероятно, это ускорило приближение смерти. Неизвестно, что произошло - острое заболевание, или депрессия в связи с финансами, но похоронили Вермеера в 1675 году в семейном склепе в Делфте.
Индивидуальное искусство Вермеера после смерти не было оценено современниками. Интерес к нему возродился лишь в XIX веке, благодаря деятельности художественного критика и историка искусства Этьена Теофиля Торе, который «открыл» Вермеера для широкой публики.
Заключение
Обращение к реальной действительности помогло расширить художественные возможности искусства Голландии, обогащало его жанровую тему. Если до XVII века в европейском изобразительном искусстве большое значение имела библейско-мифологическая тематика, а другие жанры были слабо развиты, то в голландском искусстве соотношение между жанрами резко меняется. Происходит подъём таких жанров как: бытовой жанр, портрет, пейзаж, натюрморт. Сами библейские и мифологические сюжеты в голландском искусстве в значительной мере утрачивают прежние формы воплощения и трактуются теперь как бытовые картины.
При всех достижениях голландское искусство несло в себе и некоторые специфические черты ограниченности - узкий круг сюжетов и мотивов. Другой минус: только некоторые мастера стремились найти в явлениях их глубокую основу.
Но во многих композиционных картинах, портретах образы носят глубочайший характер, а пейзажи показывают истинную и реальную природу. Это стало отличительной особенностью голландского искусства. Таким образом, живописцы сделали большой прорыв в искусстве, овладев трудным и сложным умением писать изображения внутреннего мира человека и переживания.
Контрольная работа дала мне возможность проверить свои творческие способности, пополнить запас теоретических знаний, глубже узнать о голландских художниках и их работах.
Репетиторство
Нужна помощь по изучению какой-либы темы?
Наши специалисты проконсультируют или окажут репетиторские услуги по интересующей вас тематике.
Отправь заявку
с указанием темы прямо сейчас, чтобы узнать о возможности получения консультации.
