Примерные вопросы для анализа произведения искусства
Эмоциональный уровень:
Какое впечатление производит произведение?
Какие ощущения может испытывать зритель?
Каков характер произведения?
Как помогают эмоциональному впечатлению от произведения его масштаб, формат, горизонтальное, вертикальное или диагональное расположение частей, использование определенных архитектурных форм, использование определенных цветов в картине и распределение света в архитектурном памятнике?
Предметный уровень:
Что (или кто) изображено на картине?
Что видит зритель, стоя перед фасадом? В интерьерах?
Кого вы видите в скульптуре?
Выделите главное из того, что вы увидели.
Попробуйте объяснить, почему именно это кажется вам главным?
Какими средствами художник (архитектор, композитор) выделяет главное?
Как в произведении скомпонованы предметы (предметная композиция)?
Как в произведении проведены основные линии (линейная композиция)?
Как в архитектурном сооружении сопоставляются объемы и пространства (архитектурная композиция)?
Сюжетный уровень:
Попробуйте пересказать сюжет картины.
Попробуйте представить, какие события могут чаще происходить в данном архитектурном сооружении.
Что может сделать (или сказать) данная скульптура, если она оживет?
Символический уровень:
Есть ли в произведении предметы, которые что-либо символизируют?
Носят ли символический характер композиция произведения и ее основные элементы: горизонталь, вертикаль, диагональ, круг, овал, цвет, куб, купол, арка, свод, стена, башня, шпиль, жест, поза, одежда, ритм, тембр и т.д.?
Каково название произведения? Как оно соотносится с его сюжетом и символикой?
Источник: интернет
План анализа живописного произведения
2.Стиль, направление.
3.Вид живописи: станковая, монументальная (фреска, темпера, мозаика).
4.Выбор материала (для станковой живописи): масляные краски, акварель, гуашь, пастель. Характерность использования данного материала для художника.
5.Жанр живописи (портрет, пейзаж, натюрморт, историческая живопись, панорама, диорама, иконопись, марина, мифологический жанр, бытовой жанр). Характерность жанра для работ художника.
6.Живописный сюжет. Символическое содержание (если есть).
7.Живописные характеристики произведения:
Плоскостность;
Колорит;
Художественное пространство (пространство, преображенное художником);
9.Личное впечатление, полученное при просмотре произведения.
План анализа скульптурного произведения
2.Стиль, направление.
3.Вид скульптуры: круглая скульптура, монументальная скульптура, мелкая пластика, рельеф и его разновидность (барельеф, горельеф), скульптурный портрет, герма и т. д.
4.Выбор модели (реально существующий человек, животное, фантазия художника, аллегорический образ).
5.Пластика (язык телодвижений), светотеневая моделировка.
6.Взаимодействие с окружающей средой: цвет скульптуры
(раскраска) и цветовой фон окружающей среды, световые эффекты (подсветка); скульптура как элемент архитектуры, отдельно стоящая статуя и т. д.
7.Выбор материала и его обусловленность (мрамор, гранит, дерево, бронза, глина и др.).
9.Личное восприятие памятника.
План анализа архитектурного произведения
2. Стиль, направление. Архитектура крупных или малых форм.
3. Место в архитектурном ансамбле (включенность, обособленность,
соотнесенность с пейзажем, роль органичной детали и т. д.). Тектоника: стеновых систем, каменной кладки, стоечно-валочная
конструкция, каркасное сооружение, сводчатая конструкция, современная
пространственная конструкция (складчатая, винтовая и др.).
4. Использованный материал и его участие в создании особого архитектурного облика. Характер его работы в конструкции (столбы - несут, своды-пружинят, карнизы-покоятся, арки-возносятся, купола-венчают и т. д.).
5. Своеобразие архитектурного языка в конкретном произведении,
выраженное через:
Симметрия, диссимметрия, асимметрия;
Ритм частей, деталей;
Объем (распластанный, вертикально суженный, кубический и др.);
Пропорции (гармония деталей и частей);
Контраст (противопоставление форм);
Силуэт (внешние контуры);
Масштаб (соотношение с человеком);
Цвет и фактура поверхности.
7. Национальные особенности сооружения.
8. Наличие синтеза искусств (связь архитектуры со скульптурой и живописью).
9. Личные впечатления.
ВОПРОСЫ, КОТОРЫМИ СТОИТ ЗАДАТЬСЯ, АНАЛИЗИРУЯ СКУЛЬПТУРНОЕ ПРОИЗВЕДЕНИЕ При анализе произведений скульптуры необходимо учитывать собственные параметры скульптуры как вида искусства. Скульптура – это вид искусства, в котором реальный трёхмерный объём взаимодействует с окружающим его трёхмерным пространством. Поэтому Вы должны анализировать объём, пространство и то, как они взаимодействуют. 1. Каков размер этой скульптуры? Скульптура бывает монументальная, станковая, миниатюрная. Размер влияет на то, как она взаимодействует с пространством. 2. В каком пространстве располагалось анализируемое Вами произведение (в храме, на площади, в доме и т.д.)? На какую точку зрения оно было рассчитано (издали, снизу, вблизи)? Является ли оно частью архитектурного или скульптурного ансамбля или это самостоятельное произведение? 3. Насколько рассматриваемое произведение охватывает трехмерное пространство (круглая скульптура и скульптура, связанная с архитектурой; архитектурно-скульптурная форма, горельеф; рельеф; барельеф; живописный рельеф; контррельеф) 5. В каком материале она выполнена? Каковы особенности этого материала? Даже если Вы анализируете слепки, важно помнить, из какого материала был сделан оригинал. Сходите в залы подлинников, посмотрите, как выглядит скульптура, выполненная в интересующем вас материале. Какие особенности скульптуры продиктованы её материалом (почему для этого произведения был выбран именно этот материал)? 6. Рассчитана ли скульптура на фиксированные точки зрения, или полностью раскрывается при круговом обходе? Сколько законченных выразительных силуэтов у этой скульптуры? Каковы эти силуэты (замкнутый, компактный, геометрически правильный или живописный, разомкнутый)? Как силуэты связаны друг с другом? 7. Каковы пропорции (соотношения частей и целого) в данной скульптуре или скульптурной группе? Каковы пропорции человеческой фигуры? 8. Каков рисунок скульптуры (разработка и усложнение отношений между большими композиционными блоками, ритм внутренних членений и характер разработки поверхности)? Если речь идет о рельефе – как меняется целое при смене угла зрения? Как варьируется глубина рельефа и выстроены пространственные планы, сколько их? 9. Какова фактура скульптурной поверхности? Однородная или разная в разных частях? Гладкая или «эскизная» видны следы прикосновения инструментов, натуроподобная, условная. Как эта фактура связана со свойствами материала? Как фактура влияет на восприятие силуэта и объема скульптурной формы? 10. Какова роль цвета в скульптуре? Как взаимодействует объем и цвет, как они влияют друг на друга? 11. К какому жанру принадлежит эта скульптура? Для чего она предназначалась? 12. Какова трактовка мотива (натуралистическая, условная, продиктованная каноном, продиктованная местом, занимаемым скульптурой в ее архитектурном окружении или ещё какая-то). 13. Ощущаете ли Вы в произведении влияние каких-то других видов искусства: архитектуры, живописи? ВОПРОСЫ, КОТОРЫМИ СТОИТ ЗАДАТЬСЯ, АНАЛИЗИРУЯ ЖИВОПИСНОЕ ПРОИЗВЕДЕНИЕ Для того, чтобы абстрагироваться от сюжетно-бытового восприятия, вспомните, что картина – не окно в мир, а плоскость, на которой живописными средствами может быть создана иллюзия пространства. Поэтому сначала проанализируйте базовые параметры произведения: 1) Каков размер картины (монументальный, станковый, миниатюрный? 2) Каков формат картины: вытянутый по горизонтали или вертикали прямоугольник (возможно, со скруглённым завершением), квадрат, круг (тондо), овал? 3) В какой технике (темпера, масло, акварель и т.д.) и на какой основе (дерево, холст и т.д.) выполнена картина? 4) С какого расстояния она лучше всего воспринимается? I. Анализ изображения. 4. Есть ли в картине сюжет? Что изображено? В какой среде располагаются изображённые персонажи, предметы? 5. На основании анализа изображения Вы можете сделать вывод о жанре. К какому жанру: портрет, пейзаж, натюрморт, обнажённая натура, бытовой, мифологический, религиозный, исторический, анималистический, - принадлежит картина? 6. Как Вам кажется, какую задачу решает художник – изобразительную? выразительную? Какова степень условности или натурализма изображения? Тяготеет ли условность к идеализации или к экспрессивному искажению? Как правило, с жанром связана композиция картины. 7) Из каких составляющих складывается композиция? Каково соотношение объекта изображения и фона/ пространства на полотне картины? 8) Насколько близко к картинной плоскости размещены объекты изображения? 9) Какой угол зрения выбрал художник – сверху, снизу, вровень с изображенными объектами? 10)Как определена позиция зрителя – вовлекается ли он во взаимодействие с изображенным на картине, или ему отводится роль отстраненного созерцателя? 11)Можно ли назвать композицию уравновешенной, статичной, или динамичной? Если присутствует движение, как оно направлено? 12)Как построено картинное пространство (плоскостно, неопределенно, выгорожен пространственный слой, создано глубокое пространство)? За счёт чего достигается иллюзия пространственной глубины (различие в размере изображенных фигур, показ объема предметов или архитектуры, с помощью градаций цвета)? Композиция разрабатывается средствами рисунка. 13) Насколько выражено в картине линейное начало? 14)Подчеркнуты или скрадены контуры, отграничивающие отдельные предметы? Какими средствами достигается этот эффект? 15)До какой степени выражен объём объектов? Какими приёмами создаётся иллюзия объёма? 16)Какую роль в картине играет свет? Какой он (ровный, нейтральный; контрастный, лепящий объем; мистический). Прочитывается ли источник/направление света? 17)Читаются ли силуэты изображенных фигур/объектов? Насколько они выразительны и ценны сами по себе? 18)Насколько детализировано (или наоборот обобщено) изображение? 19)Передаётся ли разнообразие фактур изображённых поверхностей (кожа, ткани, металл и т.д.) ? Колорит. 20)Какую роль играет в картине колорит (подчинён рисунку и объёму или наоборот подчиняет себе рисунок и сам выстраивает композицию). 21)Является ли цвет просто окраской объёма или чем-то большим? Является ли он оптически достоверным или экспрессивным? 22)В картине преобладают локальные цвета или тональный колорит? 23)Различимы ли границы цветовых пятен? Совпадают ли они с границами объёмов и предметов? 24)Художник оперирует большими массами цвета или маленькими пятнами-мазками? 25)Как написаны теплые и холодные цвета, пользуется ли художник сочетанием дополнительных цветов? Для чего он это делает? Как переданы наиболее освещенные и затенённые места? 26)Есть ли блики, рефлексы? Как прописаны тени (глухо или прозрачно, цветные ли они)? 27)Можно ли выделить ритмические повторы в использовании какого-либо цвета или сочетания оттенков, можно ли проследить развитие какого-либо цвета? Есть ли доминирующий цвет/ сочетание цветов? 28)Какова фактура живописной поверхности – гладкая или пастозная? Различимы ли отдельные мазки? Если да, то какие они - мелкие или длинные, жидкой, густой или почти сухой краской нанесены? ВОПРОСЫ, КОТОРЫМИ СТОИТ ЗАДАТЬСЯ, АНАЛИЗИРУЯ ПРОИЗВЕДЕНИЕ ВАЗОПИСИ Анализируя произведения вазописи, необходимо помнить, что они являются произведениями декоративно-прикладного искусства. Форма украшаемого предмета, его функциональные особенности влияют на характер изображения. 1. Как называется тип анализируемого Вами сосуда? Для чего подобные сосуды были предназначены? 2. Какого размера сосуды? 3. Как располагается декорация сосудов? Где размещаются зоны фигуративных и орнаментальных украшений? Как связано размещение изображений с формой сосуда? 4. Какие типы орнаментов используются? На каких частях сосуда они располагаются? 5. Где располагаются фигуративные изображения? Они занимают больше места, чем орнаментальные или являются просто одним из орнаментальных регистров? 6. Как строится регистр с фигуративными изображениями? Можно ли сказать, что здесь используются приемы свободной композиции или используется принцип рядоположенности (фигуры в одинаковых позах, минимум движения, повторяют друг друга)? Выделен ли фон фигуративной композиции по сравнению с общим тонированием тела сосуда? 7. Как изображаются фигуры? Они подвижные, застывшие, стилизованные? 8. Как передаются детали фигур? Они выглядят более естественно или орнаментально? Какие приемы используются для передачи фигур? 9. Загляните, если возможно, внутрь сосуда. Есть ли там изображение и орнаменты? Опишите их по выше приведенной схеме. 10. Какие основные и дополнительные цвета используются в построении орнаментов и фигур? Каков тон самой глины? Как это влияет на характер изображения – делает его более орнаментальными или, наоборот, более естественным? В конце сопоставления постарайтесь сделать вывод о том, какую разницу Вы заметили между построением изображения в более ранних и более поздних вазах. Как на основе этого Вы бы могли представить отдельные закономерности в развитии древнегреческой вазописи.Спецификой скульптуры является ее предельная реальность и вещность, трехмерная объемность и нацеленность на тактильное (осязательное) воздействие и переживание (моторное напряжение тела). Главной темой скульптуры является фигура человека, а ее язык – это язык человеческого тела и мимики лица.
Можно сказать, что это один из наиболее антропоморфных видов искусства. Но скульптор не повторяет слепо фигуру человека в ее реальных формах, а творит некую идеальную действительность, идеальную форму, в которой идеи воплощаются в виде сгустков пластической энергии. Исключительная сосредоточенность на человеке весьма ограничивает, с одной стороны, количество параметров анализа, а с другой требует крайне углубленной интерпретации каждого пункта.
Определившись с видом скульптуры (монументальная скульптура или мелкая пластика, свободностоящая фигура, статуарная группа или рельеф), необходимо четко зафиксировать ее размеры и соотношение с окружающим пространством, архитектурой и масштабом человека, выявить запланированные автором точки зрения.
Выбор материала (камень, бронза, дерево, керамика и иные современные материалы) в скульптуре очень важен и являет нам одну из главных мировоззренческих позиций автора. От него во многом зависят способ обработки (пластика или скульптура), возможности светотеневой и цветовой метафоричности, организация внутренней конструкции (каркаса), соотношение масс с конструкцией и между собой, соотношение динамики и статики, тектонических моментов и моментов моторного напряжения и расслабления.
Проблема постамента (или его отсутствия) в скульптуре аналогична проблеме рамы в живописи – это связующее звено между миром искусства и миром реальности.
Сюжет в скульптуре вторичен, так как над любым конкретным сюжетом стоит главный и общий для всей скульптуры сюжет – акт творения трехмерной формы, сотворения человеческого тела. В какой-то мере любой скульптор уподобляется Богу-Творцу (европейская традиция) или творящей Вселенной (восточная традиция), а зритель – творимому объекту.
Диапазон переживания ограничен рамками оппозиции «статика – движение», но интенсивность переживания значительно выше, чем в других видах искусства, и требует от зрителя значительной концентрации воли. Эту особенность надо обязательно учитывать при восприятии и анализе скульптуры
План анализа скульптуры
Объем, контробъем, светотень, пространственный силуэт как средства художественной выразительности скульптуры.
Рельеф и круглая скульптура. Типы рельефа: барельеф, горельеф, контррельеф (койланоглиф).
Соотношение объемно-пластических масс в скульптуре: принцип контрастного противопоставления объема и контробъема (метод обработки объема по принципу койланоглифа – Древний Египет, А. Архипенко);
Светотеневая моделировки, формы и методы обработки объема по принципу рельефа, барельефа или горельефа (Греция, Рим, Возрождение, барокко, классицизм);
Линеарное построение и условность пластической моделировки форм – (метод прорисовки и моделировки объемов врезанным контуром – Древний Восток, романское искусство, готика, Дж. Манцу);
Построения замкнутой формы, самодостаточность и изолированность пластических построений композиции;
Создание открытых объемно-пространственных композиций, основанных на органическом взаимодействии с окружающей средой. Восприятие скульптуры как элемента окружающей среды (первобытная реликтовая скульптура, Г. Мур);
Симметрия при пропорциональном распределении объемно-пластических масс. Восприятие скульптуры как статического изображения (египетская скульптура, архаическая Греция);
Асимметрия при пропорциональном распределении объемно-пластических масс. Восприятие скульптуры как динамического, пространственно-активного образа (скульптура барокко, Н. Бернини, импрессионистическая скульптура, О. Роден).
РЕФЕРАТ
по введению в историю искусств
Сравнительный анализ скульптуры Поликлета “Дорифор”
и скульптуры Донателло “Давид”
Минск, 2000
Для каждой эпохи в искусстве, как и для этапов развития человечества в целом, характерно как новаторство, рождение новых форм, наполнение их иным содержанием, так и продолжение традиций, преемственная связь культур.
В данной работе я на примере двух произведений круглой скульптуры попытаюсь проследить, какими принципами руководствовались художники эпохи Возрождения и Античности, какие художественные приобретения античности нашли отражение в искусстве возрождения, какие новые элементы художественного творчества появляются в эпоху возрождения. Я анализирую работу Донателло “Давид” (1440 – 43) и скульптуру Поликлета “Дорифор” (V в. до н.э.).
Работа Поликлета “Дорифор” принадлежит периоду классики в античном искусстве. Это эпоха высшего подъема античного искусства, связанная с расцветом древнегреческих государств-полисов в 5 – 4 вв. до н.э. Наиболее полно отразился греческий эстетический идеал в произведениях искусства греческой классики, которые уже в античную эпоху были признаны совершенными и образцовыми. Исполняя в художественной культуре античности роль центростремительного, организующего начала, этот идеал в большей или меньшей степени, прямо или косвенно сказывался на основной. произведений искусства античной эпохи. Один из самых почитаемых образов – стройный, обнаженный юноша, атлет, не ведающий внутренних коллизий и душевного смятения. Его мироотношение уравновешенно, бесстрастно; взгляд твердый, спокойный.
Во всем облике физического совершенства чувствуется цельность натуры, надежность. Творцы Древней Эллады стремились передать в статуях атлетов не столько индивидуальные, личностные черты, сколько сущностные, типические свойства совершенного человека, его универсальные, наиболее ценные качества с точки зрения античной культуры. Формируется значимость образа героя, борющегося за утверждение на земле всеобщей гармонии с помощью физической силы, ловкости, храбрости, целеустремленности. Именно в этой борьбе выявлялась ценность героического усилия, готовность к колоссальной энергии преодоления, отражавшей подлинное совершенство, воплощалось оптимистическое ощущение господства человека над миром. Красота уникального, изменчивого, неповторимого была чужда греческому художественному сознанию в период становления античной культуры. Главными объектами изображения становились боги и легендарные герои, олицетворяющие образ идеального человека. Этот тип красоты воплощен в работах Поликлета.
Так же как Античность заложила основы для развития искусства эпохи Возрождения, Возрождение стало источником вдохновения для дальнейшего развития европейской культуры Нового времени. Какова же возрожденческая сущность прекрасного? На формирование нового типа художественного мировосприятия существенное воздействие оказало нарастание темпа реальной жизни, более динамичное движение общества во времени пространстве.
Главным действующим лицом эпохи, своеобразным центром культуры становится энергичный, волевой, раскрепощенный человек, мечтающий о реализации захватывающих земных идеалов. Возрожденческий человек словно впервые ощутил многообразие собственных безграничных возможностей, которые раньше оставались неизведанными и невостребованными. Внутренний и внешний мир развернулись во всей своей невиданной многоликости, богатстве, блеске, поражая воображение, побуждая к творческому самораскрытию. Возросло чувство собственного достоинства, которое не играло такой принципиальной роли в античной культуре. Ренессансного человека привлекал героический дух языческих представлений, полная напряженного действия жизнь. Скульптура, в средние века неразрывно связанная с архитектурой, получает и самостоятельное существование, появляется свободно стоящая статуя, памятник современнику, скульптурный портрет. Темы и образы скульптуры черпаются не только из Священного писания, но также из античной мифологии. Формируется новый пластический язык скульптуры, основанный на изучении натуры и античного наследия. Ведущим центром Возрождения была Италия, искусство и культура которой пережили небывалый подъем.
Донателло – яркий представитель эпохи раннего Возрождения в Италии. Одна из его работ – “Давид” из Барджело. Образ Давида широко представлен в европейском искусстве. К этому персонажу обращались А. Вероккьо, Микеланджело. Наиболее популярно изображение Давида как победителя Голиафа. Таким образом он и показан в работе Донателло. Еще ни в одном из своих произведений Донателло не приближался в такой степени к античности. Юный Давид изображен в виде стройного нагого мальчика с гибким телом и длинными волосами, на которые надета увитая лавровым венком пастушеская шапочка. Опираясь на тяжелый меч и поставив ногу на отрубленную голову Голиафа, он стоит потупившись, словно не сознавая величия совершенного им подвига. Статуя Давида (как и оригинал статуи Дорифора) выполнена в бронзе. С 30 – 40-х гг. XV в. художник все чаще обращается к этому податливому и гибкому материалу, таящему в себе богатейшие пластические возможности.
Какие же элементы античного искусства присутствуют в “Давиде”? Во-первых, обнаженность персонажа, что мы видим и на примере поликлетовского “Дорифора”. Одежду Давида составляет лишь шляпа, увитая листвой, и богато украшенные поножи; он спокойно стоит в небрежной позе, глядя сверху вниз и выражает то радостное спокойствие, которое поражает нас в греческих произведениях. Герой Ветхого завета соответствует телесному идеалу искусства IV столетия до н.э. Необходимо отметить, что тема героя-победителя – излюбленная тема итальянского Возрождения. Так же и Поликлет свой идеал атлета-гражданина воплотит в бронзовой статуе юноши с копьем, отлитой около 450 – 440 гг. до н.э. Могучий обнаженный атлет изображен в спокойной и величественной позе. Он держит в руке копье, которое лежит на левом плече, и, слегка повернув голову, смотрит вдаль. Кажется, что юноша только что шагнул вперед и остановился. Всю тяжесть тела он перенес на правую ногу. Скованность и условную неподвижность архаических статуй скульптор сумел преодолеть благодаря продуманной системе равновесия частей тела: приподнятому правому бедру соответствует опущенное плечо и, наоборот, опущенному левому бедру – приподнятое плечо. Скульптор сообщает позе атлета непринужденность и жизненную убедительность. (6)
С удивительным реализмом мастер передал в бронзе великолепную мускулатуру развитого тела: сильные мышцы рук, рельефно выступающие мускулы груди и живота, крепкую шею и хорошо тренированные ноги атлета. Сдержанной мощью веет от фигуры юноши. Мужество, ясность духа и готовность к подвигу проявляется в невозмутимом спокойствии прекрасного лица. Перед нами идеал эпохи – разносторонне развитая и цельная личность. Красота человека становится для Поликлета мерой ценности разумно устроенного мира. Мастер утверждает мысль о том, что каждый человек должен совершенствоваться, чтобы служить своему городу.
Прежде всего у Донателло Давид – это юноша вообще, герой с идеально облагороженным телом. Давид Донателло абсолютно спокоен, и в замкнутости своего силуэта и в пассивной, размышляющей позе. Победа принесла Давиду не только уверенность в своей силе и правоте, но и раздумье о причинах того и другого, а может быть, и некоторый оттенок самолюбования. “Давид” Донателло, несмотря на свою молодость, действительно герой, атлет, в победу которого над гигантом Голиафом мы можем поверить.
К сожалению, оригинал “Дорифора” Поликлета не дошел до нас. Мы можем судить об этом произведении лишь по римской копии, но даже эта копия дает представление о великолепном произведении Поликлета. До наших дней “Дорифор” остается одним из прекраснейших изображений человека в мировом искусстве.
Необходимо отметить, что Поликлет был и теоретиком искусства. Поликлет математически точно рассчитал размеры всех частей тела и их соотношение между собой. За единицу измерения он принял рост человека. По отношению к росту голова составляла 1/7 часть, лицо и кисть руки – 1/10, ступня – 1/6. “Успех художественного произведения, – утверждал мастер, – получается от многих числовых отношений, причем любая мелочь может его нарушить”.
Позиция фигуры Давида соответствует поликлетовским правилам, согласно которым статуя должна в основном опираться на одну ногу, в то время как другая несет меньшую нагрузку. Эти правила, воспринимаемые как выражение четкого и гармоничного преодоления силы тяжести с помощью чудесного механизма тела, соблюдались во всем античном искусстве. Мотив этот не остался неизвестным и послеантичному искусству: поскольку его можно было найти в любых классических образцах, то на него постоянно обращали внимание. Однако при использовании его в готических статуях речь шла лишь об обогащении арсенала мотивов, вследствие чего довольствовались отдельными намеками на него, – теперь же в творчестве Донателло мы обнаруживаем этот мотив как художественную проблему принципиального значения, последовательно решаемую при разработке обнаженного тела. (4)
Какие же новшества знаменуют статую “Давид” Донателло? Во-первых, наготу. Уже более тысячи лет нагота не играла никакой роли в искусстве, откуда христианское неприятие культа тела изгнало ее, так что она изображалась только там, где содержание изображаемого безусловно требовало этого. Теперь же Донателло – вопреки всем традициям – изобразил обнаженным героя Ветхого завета, на что до него решались исключительно при изображении декоративных фигурок младенцев и гениев. Весь характер статуи доказывает, что это произошло под влиянием античности. Нет другого такого произведения Донателло, где одухотворенность была бы с такой силой оттеснена на второй план: мальчик-победитель стоит словно бы отрешенно, как если бы речь шла о чем-то само собою разумеющимся, и не только голова с ее идеальной трактовкой, но и все тело следует античным прототипам. Хотя можно заметить, что Донателло еще боится изображать цветущую и мускулистую наготу, которая так привлекала скульпторов Высокого Возрождения. В позе Давида сохраняются отголоски характерного готического изгиба. У него худые, тонкие руки, его лицо, затененное шляпой, тоже пережиток готики, – не смотрит на зрителя, поза его ног замаскирована мечом и головой Голиафа. Но все же в этой статуе Донателло настолько вплотную приблизился к античности, как никогда ни в ранних, ни в поздних своих произведениях. Мы можем наблюдать возникновение нового понимания значения тела для искусства. “Гениальное деяние Донателло состояло, во-первых, в том, что он осознал первостепенное значение этой проблемы и отразил эту позицию в своих произведениях, а во-вторых, – в том, что решение этой проблемы он связал с античными достижениями. Каждое движение тела состоит из почти необозримого количества всеобщих или локально ограниченных, типических или индивидуальных моментов, проявления и выбор моментов, являющихся наиболее важными и наиболее выразительными для пластического воплощения функций механизма тела в его отношении к статуарному движению членов и суставов, как раз был той задачей, на решение которой греки столетиями сосредоточивали свои художественные силы” . Благодаря накопленному при этом опыту они достигли в изображении человеческого тела почти что недосягаемой вершине. Средневековье пренебрегло этим достижением античного искусства. Обретение его заново и соединение с развитием нового искусства – заслуга Донателло. Это “Давид” сильно отличается от готизированных произведений скульптора. Можно сказать, что эта фигура завершает период закладывания основ Возрождения – и в то же время знаменует начало новой эпохи в истории итальянского искусства.
Как отмечает один из искусствоведов по поводу развития искусства на этом этапе: “Современность говорила с древностью на равных, как мастер с мастером. Первым импульсом было восхищение и подражание, конечным итогом небывалый синтез.” В.В. Бибихин пишет, что “в стремлении открыть античность он (Ренессанс) создает что-то совершенно новое” .
ЛИТЕРАТУРА
1. Бибихин В.В. Новый ренессанс. - М.: МАИК “Наука”, “Прогресс - традиция”. 1998.
2. Виппер Б.Р. Итальянский ренессанс XIII-XVI века. - М.: Искусство. 1977.
3. Гуковский М.А. Итальянское возрождение. Т. II. - Ленинград: Издательство государственного Эрмитажа. 1961.
4. Дворжак М. История итальянского искусства в эпоху возрождения. Т. 1. М.: Искусство. 1978.
6. Ривкин Б.И. Античное искусство /Малая история искусств. - М.: “Искусство”, 1972.
М. Дворжак. История итальянского искусства в эпоху Возрождения. Т. 1. М.: Искусство, 1978.
Chastel A. The acts during the Renaissance. - In: The Renaissance: Studies in interpretator, New York, London; Methuen, 1982. p. 238.
Бибихин В.В. Новый ренессанс. - М.: МАИК Наука, Прогресс - Традиция. 1998.
ВОПРОСЫ, КОТОРЫМИ СТОИТ ЗАДАТЬСЯ, АНАЛИЗИРУЯ СКУЛЬПТУРНОЕ ПРОИЗВЕДЕНИЕ
При анализе произведений скульптуры необходимо учитывать собственные параметры скульптуры как вида искусства. Скульптура – это вид искусства, в котором реальный трёхмерный объём взаимодействует с окружающим его трёхмерным пространством. Поэтому Вы должны анализировать объём, пространство и то, как они взаимодействуют.
1. Каков размер этой скульптуры? Скульптура бывает монументальная, станковая, миниатюрная. Размер влияет на то, как она взаимодействует с пространством.
2. В каком пространстве располагалось анализируемое Вами произведение (в храме, на площади, в доме и т.д.)? На какую точку зрения оно было рассчитано (издали, снизу, вблизи)? Является ли оно частью архитектурного или скульптурного ансамбля или это самостоятельное произведение?
3. Насколько рассматриваемое произведение охватывает трехмерное пространство (круглая скульптура и скульптура, связанная с архитектурой; архитектурно-скульптурная форма, горельеф; рельеф; барельеф; живописный рельеф; контррельеф)
5. В каком материале она выполнена? Каковы особенности этого материала? Даже если Вы анализируете слепки, важно помнить, из какого материала был сделан оригинал. Сходите в залы подлинников, посмотрите, как выглядит скульптура, выполненная в интересующем вас материале. Какие особенности скульптуры продиктованы её материалом (почему для этого произведения был выбран именно этот материал)?
6. Рассчитана ли скульптура на фиксированные точки зрения, или полностью раскрывается при круговом обходе? Сколько законченных выразительных силуэтов у этой скульптуры? Каковы эти силуэты (замкнутый, компактный, геометрически правильный или живописный, разомкнутый)? Как силуэты связаны друг с другом?
7. Каковы пропорции (соотношения частей и целого) в данной скульптуре или скульптурной группе? Каковы пропорции человеческой фигуры?
8. Каков рисунок скульптуры (разработка и усложнение отношений между большими композиционными блоками, ритм внутренних членений и характер разработки поверхности)? Если речь идет о рельефе – как меняется целое при смене угла зрения? Как варьируется глубина рельефа и выстроены пространственные планы, сколько их?
9. Какова фактура скульптурной поверхности? Однородная или разная в разных частях? Гладкая или «эскизная» видны следы прикосновения инструментов, натуроподобная, условная. Как эта фактура связана со свойствами материала? Как фактура влияет на восприятие силуэта и объема скульптурной формы?
10. Какова роль цвета в скульптуре? Как взаимодействует объем и цвет, как они влияют друг на друга?
11. К какому жанру принадлежит эта скульптура? Для чего она предназначалась?
12. Какова трактовка мотива (натуралистическая, условная, продиктованная каноном, продиктованная местом, занимаемым скульптурой в ее архитектурном окружении или ещё какая-то).
