Символизм - жанр в живописи, насыщенный необыкновенной загадочностью, с целью акцентирования внимания к творениям искусства. Сам стиль символизм в картинах художников в качестве полноценного художественного направления был создан, вероятно, на основе того, что в период жестокой инквизиции нельзя было передавать все откровенно, и не приветствовалось откровенное обсуждение разных тем, как в области живописи, так и в поэтических, артистических и художественных кругах. Живописцы само выражались в форме оригинальных посылов, понятных только осведомленным людям. Информация с полотен могла быть понята только избранными. А название «символизм», в качестве полноценного направления в искусстве было подарено миру в 1886 году усилиями французского стихотворца Жана Мореасу.

Символические образы в живописи 19-20 века призывают зрителей задуматься, прочувствовать, подключить подсознательное восприятие и интуицию для лучшего понимания (или непринятия) замысла художника. Самый яркий образец символизма - это иконопись, ведь изображения на иконах невероятно самобытны. Символизму присущи и свои «правила чтения»: имеют место объемные эмблематические каталоги, предназначенные для лучшего понимания изображенного. Однако, как в литературных трудах есть позиция, что «является отправной точкой для мыслей», таким же образом можно попрекнуть и «символическую» справочную литературу с правилами для расшифровки изображенного. Зачем же отталкиваться от чужих толкований? Все понимают символические картины по-разному, в зависимости от своего личного восприятия, уровня духовного воспитания и образованности. Язык всех жанров искусства, в том числе русский, является универсальным, каждый человек, оценивающий картины живописцев-символистов, может увидеть в ней нечто своё, а может ничего и не заметить. Неподдельный интерес к полотнам в России в жанре символизма, а также их довольно высокая цена зависят от принадлежности к немногочисленному кругу знающих секрет. Картина символ притягивает и особо ценится. Расшифровать символы на картинах является очень интересным делом. Не озираясь на привычную, уже сложившуюся оценку, попытаемся самостоятельно прочитать послание автора, спрятанное и переданное с помощью языка символов. В качестве примера можно рассмотреть творение современной художницы родом из Мексики Леоноры Каррингтон (годы жизни 1917-2011). Она была в числе немногочисленных женщин-художниц, освоивших символизм в живописи, в котором преимущественно творили художники-мужчины. Огромный интерес для изучения представляет картина, написанная в 1936-1939 годах под названием: “The Inn of the Dawn Horse” (Постоялый двор лошади Утренняя Заря). Данное полотно является автопортретом самой художницы Леоноры Каррингтон. Это была дебютная и главная ее картина, выполненная в жанре символизма.

Итак, на полотне изображена девушка. Она находится в пустом помещении, безучастно сидит на стуле, который декорирован в типично викторианской манере. При более детальном анализе видно, что этот стул необычен, его ножки и подлокотники имеют форму рук и ног человека. В этот период в Англии на престоле восседала королева Виктория, которая поддерживала строгие моральные принципы - сама она отдала себя служению своей стране и семье, чего всегда требовала от своих подданных. Одежда у девушки мужская, предназначенная для верховой езды. В таком виде героиню картины можно принять за мужчину. На ней надеты белоснежные брюки, что символизирует чистоту и невинность. Её волосы хаотично растрепаны, её поза выказывает некую бездеятельность, а глаза выражают безрассудность. Свою правую руку она протягивает для воображаемого поцелуя. На фоне стены можно видеть детскую лошадку-качалку огромного размера, символизирующую мечты и чаяния ребенка, а так же девичью самоуверенность. В помещении около самой девушки расположена полосатая агрессивная гиена, которая отображает её подлинную, не сложившуюся сторону жизни. Это животное изображено в неприглядном, потрепанном виде с безумием в глазах, чем то похожих на глаза самой девушки. На фоне пессимистичного настроя и чувства безнадёжности, которые так присущи большинству творцов-символистов, подбадривает изображение белоснежной кобылицы, парящей за окнами помещения. Глядя на нее представляется, что где-то там, вдалеке, в перспективе все легко и безоблачно, исполняются желания, достигается чувство блаженства, женщина обретает долгожданную свободу и независимость. Нужно только ей решиться быть счастливой! Но тут у зрителя закрадывается тень сомнения и рушит правильность толкования, когда он замечает, что на брюхе у гиены расположены три небольшие шарики. Может быть, они выступают тут намеком на триединство с религиозным подтекстом? Жители Древней Греции полагали, что гиены способны менять свою половую принадлежность. Поэтому живот и ноги этого животного олицетворяют нечто неосознанное. Можно предположить, что три шарика обозначают троих мужчин, которых полюбила девушка. Эти мужчины, вероятно, оказывали ей знаки внимания, а она предпочла беречь свою невинность, и вот что за этим последовало - она лишилась душевного равновесия. Тут становится очевидно, что категоричное целомудрие для женщины идет в разрез с законами природы и разрушает их. Сюжет картины как бы взывает: полюбуйся, во что ты превратила свое существование! - и благодаря демонстрации такого примера, побуждает девушек и женщин-зрительниц к действию: «Будь инициативной! Бери все в свои руки!»

Работы в данном жанре, в том числе модульные картины, вы сможете купить в нашей онлайн галерее живописи. Цены вас приятно порадуют, а количество представленных картин не оставят равнодушным ценителей искусства.

Произведения искусства могут нести в себе некий скрытый смысл, который иногда удаётся расшифровать. Предлагаем вам подборку из десяти шедевров живописи, в которых удалось найти тайные знаки.

1. «Мона Лиза»: в её глазах есть скрытый код

Как правило, силу «Моны Лизы» приписывают интригующей улыбке, изображённой на лице женщины. Тем не менее, историки из Италии обнаружили, что, если рассмотреть глаза Джоконды под микроскопом, то них можно разглядеть буквы и цифры.

Эксперты утверждают, что эти едва различимые цифры и буквы представляют собой нечто вроде «Кода да Винчи» в реальной жизни: в правом глазу видны буквы «LV», которые вполне могут означать имя художника, Леонардо да Винчи, и в левом глазу тоже есть символы, но их пока не получилось опознать. Ясно увидеть их очень сложно, но, скорее всего, это или буквы «CE», или буква «B».

В арке моста на заднем плане можно увидеть число 72, или же это может быть буква «L» и двойка. Кроме того, на картине видно число 149 с затёртой четвёркой, что может означать дату создания картины - да Винчи нарисовал её во время своего пребывания в Милане в 1490-х годах.

Важно помнить, что картине уже почти 500 лет, так что скрытые знаки видны не так чётко и ясно, как могли быть сразу после её создания.

2. «Тайная вечеря»: в картине скрыты математические и астрологические головоломки и музыкальная мелодия

«Тайная вечеря» является объектом многочисленных спекуляций, сосредоточенных, как правило, на предполагаемых скрытых сообщениях и намёках, зашифрованных в картине.

Слависа Пеши, информационный технолог, добилась интересного визуального эффекта, наложив зеркальную полупрозрачную версию картины поверх оригинала. В результате на обоих концах стола появились две похожие на тамплиеров фигуры, а слева от Иисуса стал виден ещё один человек - возможно, женщина с младенцем на руках.

Итальянский музыкант Джованни Мария Пала указал, что положение рук и хлеба можно интерпретировать как ноты в музыкальном произведении, и если читать справа налево, как это было характерно для манеры письма Леонардо, то они образуют музыкальную композицию.

Исследователь из Ватикана Сабрина Сфорца Галиция, заявила, что расшифровала «математическую и астрологическую» головоломку, содержащуюся в «Тайной вечере». По её словам, художник предсказал всемирный потоп и грядущий затем конец света, который начнётся 21 марта 4006-го года и завершится 1 ноября того же года - она считает, что это станет началом новой эры для человечества.

3. «Сотворение Адама»: божественное происхождение разума

«Сотворение Адама» кисти Микеланджело выдержала испытание временем не только как самая знаменитая фреска Сикстинской капеллы, но и как один из самых знаковых образов в истории человечества.

Микеланджело признан одним из величайших художников и скульпторов эпохи итальянского Возрождения, однако не так широко известно, что он тщательно изучал анатомию и в возрасте 17-ти лет расчленял трупы, выкопанные на церковном кладбище.

Американские эксперты по нейроанатомии считают, что Микеланджело действительно использовал некоторые анатомические познания при работе над фресками Сикстинской капеллы.

Хотя некоторые могут счесть это совпадением, специалисты предполагают, что написать подобное на картине Микеланджело вряд ли мог случайно: на фреске можно увидеть даже очертания таких сложных частей мозга, как мозжечок, зрительный нерв и гипофиз. А в самой фигуре Адама, протягивающего руку Богу, можно разглядеть очертания варолиева моста и позвоночника.

4. Фрески Сикстинской капеллы: на некоторых из них видны части человеческого мозга

Как и в случае с «Сотворением Адама», среди фресок Сикстинской капеллы есть и другая роспись с фигурой Бога, содержащая секретное послание.

Эксперты заметили, что грудь и шея Бога имеют анатомические нарушения, которых нет больше ни у одной человеческой фигуры на росписях. Кроме того, в то время как большинство фигур освещены по диагонали от левого нижнего края, на шею Бога солнечные лучи падают под прямым углом - исследователи пришли к выводу, что подобную неточность гений допустил намеренно.

Если наложить изображение странной шеи Бога на фотографию человеческого мозга, то становится заметно, что контуры обоих изображений почти полностью совпадают, а странный прямоугольник ткани, простирающийся до центра Божьего одеяния, может символизировать спинной мозг.

Микеланджело также изображал другие анатомические особенности в некоторых местах на потолке, в частности почку, которая представляла для Микеланджело особый интерес, поскольку художник страдал от камней в почках.

5. «Мадонна со святым Джованнино»: следы НЛО

«Мадонна со святым Джованнино» кисти Доменико Гирландайо имеет интересную деталь: над левым плечом Марии в небе парит капля странной формы.

В этом месте картины отчётливо виден доскообразный объект, возможно, блестящий - этот объект художник изобразил до мельчайших деталей, постаравшись поместить его в своё произведение так, чтобы тот бросался в глаза. Кроме того, в правой части картины мы видим человека, поднёсшего правую руку к глазам, показывая, насколько ярким является этот объект, а в верхнем левом углу мы видим предмет, похожий на солнце.

«Мадонна со святым Джованнино» - лишь одна из многочисленных средневековых картин, где изображены странные, тревожные неопознанные летающие объекты, парящие в небесах.

6. «Пророк Захария»: власть религии

Напряжённость в отношениях между папой Юлием II и Микеланджело описана в исторических документах. Историки отмечают, что Микеланджело изобразил папу на одной из своих картин в образе пророка Захарии, и один из ангелов позади него показывает крайне непристойный жест.

Фигура, в которую сложены пальцы прелестного маленького ребёнка, называется «фига», но его значение вовсе не такое сладкое, как название: держа большой палец между указательным и средним пальцами, он показывает жест старого мира, который сохранил своё значение до наших дней. На Западе жест не так распространён, но в России его значение хорошо известно.

7. «Давид и Голиаф»: мистические знаки Каббалы

Анализируя расположение фигур на потолке Сикстинской капеллы, площадь которого составляет 1300 км², учёные обнаружили формы, похожие на буквы иврита: например, фигуры Давида и Голиафа образуют букву «гимель», символизирующую «силу» в мистической традиции Каббалы.

Исследователи полагают, что Микеланджело познакомился с иудаизмом во время пребывания при дворе Лоренцо Медичи во Флоренции, а вся Сикстинская капелла, возможно, построенная с соблюдением тех же пропорций, что и Святой Храм в Иерусалиме, является «потерянным мистическим посланием о всеобщей любви», предназначенной для расшифровки.

8. «Фламандские пословицы»: в картине содержится 112 нидерландских идиом

«Фламандские пословицы» - это написанная маслом на дубовой панели картина кисти Питера Брейгеля-старшего, она наполнена символами, относящимися к нидерландским пословицам того времени.

Всего в картине найдено и расшифровано 112 идиом: некоторые из них до сих пор используются, например, «плыть против течения», «большая рыба ест маленькую рыбу», «стучаться головой о стену» и «вооружиться до зубов».

Другие пословицы указывают на человеческую глупость. Некоторые символы, кажется, отображают смысл более чем одной фигуры речи, например, человек, стригущий овец, левее центра в нижней части картины сидит рядом с человеком, режущим свинью, и эта сцена символизирует выражение «Кто-то стрижёт овец, а кто-то - свиней», что означает, что у одного человека есть преимущество над другими. Также сцена может означать и «Стриги, но шкуры не снимай», то есть предупреждает не заходить слишком далеко при использовании своих возможностей.

9. «Ужин в Эммаусе»: христианский обет молчания

«Ужин в Эммаусе» - картина Караваджо, итальянского художника эпохи барокко. На картине изображен момент, когда воскресший Иисус инкогнито пребывает в город Эммаус, но встречает там двоих своих учеников и преломляет с ними хлеб, после чего те узнают его.

Картина необычна уже тем, что фигуры людей изображены на тёмном пустом фоне в натуральную величину, а на самом краю стола стоит корзина с едой, которая, кажется, вот-вот упадёт. Есть также странная тень, похожая на силуэт рыбы, что может указывать на обет молчания как обязательный для христиан.

10. «Портрет юного Моцарта»: знаки масонов

Конечно, произведения искусства не обошли стороной тему масонства: портреты людей, прячущих руки, могут указывать на преданность делу или уровень иерархии. Примером может служить портрет Моцарта, нарисованный Антонио Лоренцони.

В былые времена, когда людям запрещали выражать свое мнение или убеждения публично (или считалось грубым выставлять на всеобщее достояние свои истинные чувства), картины и скульптуры были подходящим объектом, которые творцы использовали, чтобы донести до людей какие-либо сообщения. Кто-то из художников таким обзором делился с миром своими политическим убеждениями и нравственными воззрениями, тогда как другие оставляли в своих полотнах аллегории на религиозные темы. Но были в эпоху Возрождения и такие художники, которые оставляли для будущих поколений так называемые «пасхалки». Сегодня все эти скрытые символы являются для ученых предметом изучения.

1. Леонардо да Винчи, «Тайная вечеря»

«Тайная вечеря» Леонардо да Винчи является одним из самых обсуждаемых произведений искусства среди теоретиков заговора, которые регулярно находят скрытые коды в этой работе. Оказывается, что «Тайная вечеря» полна секретных кодов и смыслов. Причем, речь пойдет не о криптограммах, которые, по мнению Дэна Брауна, автора «Кода Да Винчи», хранят секреты о дальнейшей жизни Иисуса, и даже не по поводу заявлений, что в картине скрыт математический и астрологический код, который показывает день, когда начнется конец света (21 марта 4006 года).

Наряду со всеми кодами, Леонардо, кажется, передал потомкам в своем произведении музыку. На первый взгляд, в булочках, разбросанных по столу, нет ничего таинственного. Но тем не менее, несколько лет назад итальянский компьютерный техник Джованни Мария Пала нашла в картине... партитуру. Положение рук и хлеба можно интерпретировать как музыкальные ноты. А если прочесть эти ноты справа налево (Да Винчи часто писал именно подобным образом), получится 40-секундная композиция, которая звучит как реквием.

2. Микеланджело, «Бог, отделяющий свет от тьмы»

Одним из самых известных произведений искусства еще одного знаменитого художника эпохи Возрождения, Микеланджело, является его огромная картина на потолке Сикстинской капеллы. Этот действительно гигантский шедевр делится на девять сегментов, и каждый из них рассказывает отдельную историю из Книги Бытия.

Микеланджело был гением и «истинным человеком Возрождения»: художником, скульптором, архитектором, и, среди прочего, специалистом в области анатомии человека. Это стало известно из-за его скульптур, а также потому, что художнику удалось скрыть несколько анатомических элементов в своих картинах. Еще в молодости Микеланджело препарировал трупы, откопанные на кладбище, и в течение этого довольно отвратительного периода его жизни он узнал много нового о человеческом теле.

К примеру, если внимательно посмотреть на фрагмент под названием «Бог, отделяющий свет от тьмы», то можно увидеть, что шея и подбородок Бога напоминают изображение человеческого мозга.

Так почему же Микеланджело скрывал анатомические зарисовки в своих картинах. Большинство теоретиков считают, что это был протест Микеланджело против отказа церкви принять научные факты.

3. Микеланджело, «Сотворение Адама»

Похоже, что Микеланджело был очарован человеческим мозгом. В другом популярном фрагменте его шедевра на потолке Сикстинской капеллы, он вставил еще одно изображение мозга. Пожалуй, все видели эту картину, известную как «Сотворение Адама», поскольку это одна из самых тиражируемых религиозных картин всех времен.

Бог, которого поддерживают двенадцать фигур, протягивает руку и едва касается руки Адама, передавая ему искру жизни. Изначально считалось, что вся композиция является лишь аллегорией отношений между человеком и Богом, но некоторые эксперты проанализировали картину и заметили, что Бог и двенадцать фигур изображены на фоне скрученного плаща, который очень напоминает структуру человеческого мозга.

Это не может быть простым совпадением, поскольку Микеланджело даже удалось изобразить некоторые из наиболее сложных частей головного мозга, таких как мозжечок, зрительный нерв и гипофиз.

«Ночная терраса кафе» считается одной из самых ценных картин Ван Гога. Сцена, изображенная на ней, довольно проста - это ночь и куча людей с напитками в полупустом кафе. Но оказывается, что в картине скрыто больше, чем обычная уличная сцена. Многие исследователи считают, что Ван Гог фактически создал свой собственный вариант изображения «Тайной вечери».

Те, кто поддерживает эту теорию, объясняют подобную возможность большой религиозностью Ван Гога. Также все знают, что Иисус проводил свою Тайную Вечерю вместе со своими двенадцатью учениками.

Ровно двенадцать людей сидят в кафе на картине Ван Гога, причем все они сосредоточены вокруг длинноволосого человека. Более того, на картине есть несколько скрытых крестов, один из которых находится выше «Иисуса».

Ван Гог никогда не говорил, что это его картина имеет какую-либо религиозную символику, хотя в одном письме к своему брату Тео он написал следующее: «...это не мешает мне жутко нуждаться в религии. Так что я выхожу на улицу по ночам, чтобы рисовать звезды, и я всегда мечтал написать при этом картину с группой своих приятелей».

5. Леонардо да Винчи, «Джоконда»

Этот загадочный шедевр озадачивал исследователей и историков искусства на протяжении веков. Теперь итальянские ученые добавили еще один аспект интриги, заявив, что да Винчи оставил на картине ряд очень маленьких букв и цифр. При рассмотрении под микроскопом, можно разглядеть буквы LV в правом глазу Моны Лизы.

А в левом глазу также есть какие-то символы, но не так заметны, как другие. Они напоминают буквы CE, либо букву B.

На арке моста на фоне картины есть надпись либо «72», либо «L2» или буква L, а число 2. Также на картине есть число 149 и четвертое затертое число после них.

Исследователи предполагают, что это, вероятно, год создания картины (если да Винчи был в Милане во время 1490-х). Но, что на самом деле значат эти все цифры и буквы, знал только сам да Винчи.

6. Сандро Боттичелли, «Весна»

Этот шедевр Боттичелли имеет много интересного для тех, кто ищет скрытые символы и смысл в произведениях искусства. Происхождение картины неясно. Она была написана либо по заказу Лоренцо де Медичи, или несколько позже - для его двоюродного брата Лоренцо ди Пьерфранческо де Медичи. В любом случае, и, возможно, что более важно, картина была создана при дворе одной из самых прогрессивных семей того времени.

«Весна» изобилует персонажами из римской мифологии, что было сделано (как утверждают исследователи) для отображения мифологических аллегорий расцветающего плодородия мира. Помимо этого очевидного объяснения, существует множество интерпретаций сцены, изображенной на картине. Некоторые люди думают, что она предоставляет ключи к заговору против семьи Медичи, а другие думают, что полотно связано с языческой эпохой Возрождения и неоплатонической философией.

Также картина примечательна тем, что на ней изображен настоящий ботанический рай. На воображаемом луге, изображенном на «Primavera» (Весна), Боттичелли нарисовал просто невероятное количество растений с удивительной степенью детализации.

По словам ботаников, которые сделали исследование данной картины, на ней есть, по крайней мере, 500 различных растений более 200 разных видов. Одна из теорий предполагает, что это все виды весенних растений, которые росли близ Флоренции в XV веке.

7. Джорджоне, «Буря»

На картине венецианского художника Джорджоне «Буря» изображены две фигуры, мужчина и женщина под стенами неизвестного города, на который надвигается буря.

Картина выглядит очень простой и понятной, но на протяжении многих лет многие ученые анализировали ее и пытались найти наилучшее толкование. Молодого человека, стоящего на тропинке, описывали как солдата, пастуха, цыгана или молодого аристократа. Женщину, сидящую напротив него, считали цыганкой, проституткой, Евой или Марией, матерью Иисуса, по дороге в Египет. На крыше одного из домов можно увидеть аиста, который, по мнению некоторых, является символом любви родителей к своим детям.

Все вокруг кажется, замерло в ожидании предстоящей бури. По словам итальянского ученого Сальваторе Сеттиса, город на заднем плане - изображение Рая, а два персонажа - это Адам и Ева с их сыном Каином. В древнегреческой и иудейской мифологии молнии в небе символизируют Бога.

Сеттис считает, что картина показывает момент, когда Бог выгнал Адама и Еву из Рая. Это лишь одно из объяснений «Бури», которую многие ученые считают одним из самых загадочных произведений искусства.

8. Питер Брейгель Старший, «Фламандские пословицы»

Казалось бы, нет ничего таинственного в этой картине Питера Брейгеля Старшего, но она не менее интересная, чем другие, упомянутые выше. «Фламандские пословицы» можно описать, как буквальное толкование пословиц на голландском языке. Брейгелю удалось нарисовать визуальное отображение огромного количества пословиц, которые были популярны в то время.

Всего ученым удалось идентифицировать около 112 пословиц, но очень вероятно, что их намного больше, просто сегодня о них забыли (что не позволяет их идентифицировать), или же они очень хорошо спрятаны.

Фрагмент триптиха Иеронима Босха «Сад земных наслаждений», правая створка «Ад», на которой можно увидеть партитуру на ягодицах грешника

Работа Иеронима Босха известна своими фантастическими образами, детализированными пейзажами и иллюстрациями религиозных концепций. Босх был настоящим мастером в изображении гротеска. Каждая картина Басха выглядит как проверка людей на способность замечать мелкие и скрытые детали.

К примеру, всего три года назад, блоггер под названием Amelia рассказала в своем блоге на Tumblr о том, что она нашла какие-то скрытые музыкальные ноты на одной из картин. Речь как раз и идет об этой пресловутой пятой точке грешника. Вскоре в Интернете появился «Гимн грешника», написанный по этим нотам.

«Вакх» является одной из самых нашумевших картин Караваджо. Сегодня ее можно увидеть в галерее Уффици во Флоренции. На картине, написанной в 1595 году, изображен римский бог Вакх (Дионис) с бокалом вина, который как бы приглашает зрителя присоединиться к нему.

Вроде бы все выглядит достаточно очевидно, но восемь лет назад группе экспертов, использующих современную технологию рефлектограммы, удалось увидеть нечто своеобразное внутри графина вина (в нижнем левом углу): Караваджо написал в этом месте крошечный автопортрет.

Миниатюрный портрет обнаружили в 1922 году, когда реставратор очищал холст. Тогда ученые не поняли что они обнаружили под вековыми слоями грязи. Но, благодаря современной технологии, теперь все могут увидеть забавное изображение Караваджо.

Символика имеет огромное значение в истории искусства и развивается во времени вместе с культурой. Мировоззрение и мировосприятие средневекового человека отличаются от современных и обладают определенными особенностями, без знания которых невозможно полноценно воспринимать произведения живописи того времени. Смысловая структура символа многослойна и рассчитана на активную внутреннюю работу воспринимающего, т.е. зрителя. Сама структура символа направлена на то, чтобы погрузить каждое частное явление в стихию «первоначал» бытия и дать через это явление целостный образ. Если вещь позволяет, чтобы ее рассматривали, то символ и сам словно «смотрит» на нас. Смысл символа нельзя дешифровать простым усилием рассудка, в него надо «вжиться», а чтобы это сделать — символ необходимо знать. Между символом и мифом существует родство; символ и есть миф, — и унаследовал его социальные и коммуникативные функции. Изучая символ, мы не только разбираем и рассматриваем его как объект, но одновременно позволяем его создателю апеллировать к нам: так художник не только вызывает чувства в зрителе, но и делает его сопричастным к происходящему на картине.

В своей статье на примере картин великих художников я расскажу о символах того периода в Европе, когда они стали одним из общекультурных принципов в живописи. Но так как в средневековой живописи христианская символика нашла разнообразные выражения, то повествование начну с краткого освещения христианских символов и канонов.

Символы — это распознаваемые элементы, которые передают конкретное значение, идеи, понятия — служат надежным «языком» во всех визуальных искусствах и особенно в живописи. Несомненно, что некоторые символы возникли у народов самостоятельно; многие сходные символы могут быть объяснены общими психологическими и культурными причинами, например, символ солнца — в виде колеса, молнии — в виде молота; но во многих случаях обнаруживается культурное взаимодействие народов и передача символики путем культурных и торговых связей, монетного обращения, религиозных представлений. Многие символы получили необъятно широкое значение, например, символы креста, орла, рыбы, а такие символы как лилия и роза стали постоянной принадлежностью в изображениях св. Девы Марии; св. Георгий поражает своим копьем морского дракона; нимб окружает головы святых.

Символ обращается не только к разуму, но и к чувствам человека, его подсознанию, порождает сложные ассоциации и часто зависит от эпохи, религии, культуры народа. Если же символ многозначен, то надо брать то из его значений, которое соответствует эпохе, времени, общему строю, духу картины — не противоречит ему и не разрушает его. Символ может быть обозначен числом, свойством, формой. Например, число 7 — символ совершенства и завершённости (семь цветов радуги, семь нот, семь дней недели, семь добродетелей, семь смертных грехов); синий цвет (цвет неба) — символ всего духовного; форма круга, напоминающая солнце и луну — символ божественного совершенства. Другая группа символов — предметы, явления, или действия, а также художественные образы, воплощающие какую-либо идею. Например, оливковая ветвь — символ мира, цветок нарцисса — символ смерти, младенец — символ человеческой души. Свет — символ духовного прозрения, божественной благодати; радуга (встреча Неба с Землей) — символ примирения Бога с людьми, прощения людских грехов. Ткачество символизирует создание вселенной, мира, определение судеб всего сущего; рыбная ловля — обращение в свою веру (Христос научил своих учеников быть «ловцами человеков»). Художественный образ кентавра — символ низменных страстей, распрей (если изображён с колчаном, стрелами и луком), в религиозных композициях — символ ереси. Символ связан с внешними признаками предмета и всегда отражает его глубинную сущность. Например, сова — ночная птица, поэтому одно из её символических значений — сон, смерть.

Форма, тематика, содержание искусства были тесно связаны с религией и находились под строжайшим контролем церкви, поэтому в живописи существовали правила и приемы — каноны, которым должен был следовать каждый художник. Типы изображения, композиционные схемы, символика утверждалась и освещалась церковью, но канон вовсе не сковывал мысль средневекового живописца, а дисциплинировал его, заставлял тщательнее уделять внимание деталям. Язык религиозной символики должен был передавать сложные и глубокие понятия духовной реальности. Тогда многие не умели читать, но язык символов прививался любому верующему с детства.

Символика цвета, жестов, изображаемых предметов — это язык иконы. Пропорции лика намеренно искажались. Считалось, что глаза — зеркало души, поэтому глаза на иконах такие большие и проникновенные. Начиная с Рублевского времени вначале XV в. глаза уже не писали так преувеличенно крупно, тем не менее, им всегда уделяется большое внимание. У Феофана Грека некоторые святые изображались с закрытыми глазами или вовсе с пустыми глазницами — таким способом художник пытался передать мысль, что их взгляд направлен не на внешний мир, а внутрь, на созерцание божественной истины и внутреннюю молитву. Фигуры изображаемых библейских персонажей писались менее плотно, немногослойно, намеренно вытягивались, что создавало визуальный эффект их легкости, преодолевало телесность и объемность их тел. Они словно парят в пространстве над землей, что является выражением их одухотворенности, и преображенного состояния. Собственно изображение человека занимает основное пространство иконы. Всё остальное — палаты, горы, деревья играют второстепенную роль, их знаковая природа доведена до максимальной условности. Однако и они несут определенную смысловую нагрузку: гора — символизирует путь человека к Богу, дуб — символ вечной жизни, чаша и виноградная лоза — символы искупительной жертвы Христа, голубь — символ Духа Святого и т.д.

Все живописцы прибегали к символике цвета красок, каждый цвет привносил своё значение и настроение:
— Золотой — цвет, символизирующий сияние Божественной славы, в котором пребывают святые. Золотой фон иконы, нимбы святых, золотое сияние вокруг фигуры Христа, золотые одежды Спасителя и Богородицы — все это служит выражением святости и принадлежащих к миру вечных ценностей;
— Желтый или охра — цвет высшей власти ангелов, наиболее близкий по спектру к золотому, часто является просто его заменой;
— Белый — цвет символизирующий чистоту и непорочность, причастность к божественному миру. Белыми пишутся одежды Христа, например в композиции «Преображение», а также одежды праведников на иконах, изображающих Страшный Суд;
— Черный — цвет, символизирующий в одних случаях ад, максимальную удаленность от Бога, в других — знак печали и смирения;
— Голубой — цвет Богородицы, означал тоже чистоту и праведность;
— Синий — цвет величия, символизировал божественное, небесное, непостижимость тайны и глубину откровения;
— Красный — царский цвет, символ власти и могущества (плащ Михаила Архангела — предводителя небесного воинства и Святого Георгия — победителя змея); в других случаях мог быть символом искупительной крови, мученичества.
— Зеленый — символизировал вечную жизнь, вечное цветение, и цвет Духа Святого.

Особый символический смысл имела и жестикуляция, так как жест в иконах передает определенный духовный импульс и несёт определенную духовную информацию:
— Рука, прижатая к груди — сердечное сопереживание;
— Рука, поднятая вверх — призыв к покаянию;
— Рука, протянутая вперед с раскрытой ладонью — знак повиновения и покорности;
— Две руки, поднятые вверх — моление о мире;
— Руки, поднятые вперёд — моление о помощи, жест просьбы;
— Руки, прижаты к щекам — знак печали, скорби.

Это далеко не исчерпывающий материал по символике жестов и цвета (у разных культур они могут отличаться). Не случайно иконы называли «богословием в красках».

Большое значение имели также и предметы в руках изображенного святого как знаки его служения. Так, апостол Павел обычно изображался с книгой в руках — это Евангелие, реже с мечом — символизирующим Слово Божие. У Петра в руках обычно ключи — это ключи от царства Божия. Мученики изображаются с крестом в руках или пальмовой ветвью — символами принадлежности к Царству Небесному, пророки обычно держат в руках свитки своих пророчеств.

Поскольку распространение христианства на Западе и на Востоке происходило в разных исторических условиях, то церковное искусство также развивалось разными путями. В Западной Европе икона должна была максимально правдиво показывать и рассказывать евангельскую историю, отсюда всё больший реализм и постепенное превращение иконы в картину с религиозным сюжетом, и как следствие появление нового искусства «art nova». Термин — новое искусство, позаимствованный из истории музыки, — очень точно определяет искусство Нидерландов первой половины XV в. Интуитивное и религиозно-мистическое познание мира легло в основу новой североевропейской культуры. Одним из основоположников искусства Раннего северного Возрождения является выдающийся нидерландский живописец Ян ван Эйк (род. ок. 1390 г. — ум. в 1441 г.) – он создал «Портрет четы Арнольфини» — уникальное явление во всей европейской живописи того времени. Художник впервые изобразил людей в окружающей их повседневной обстановке, без всякой связи с религиозным сюжетом или образами из Священного писания.

На полотне изображены купец Джованни Арнольфини из итальянского города Луки и его молодая жена. Оба одеты в нарядные праздничные костюмы, отвечающие сложной и причудливой моде того времени. Позы их торжественно неподвижны, лица полны самой глубокой серьезности. В глубине уютной комнаты висит круглое зеркало — символ всевидящего Божьего ока, отражающее фигуры еще двух людей, присутствующих в комнате, но не видных зрителю, очевидно, свидетели бракосочетания. В одном из них художник изобразил самого себя, о чем гласит надпись над зеркалом: «Ян ван Эйк здесь был», Новобрачных художник исполнил в рост. Живописец любовно изображает вещи, окружающие молодоженов. Эти предметы много сообщают об образе жизни своих хозяев, подчеркивая их бюргерские добродетели — бережливость, скромность, любовь к порядку. Обряд совершается в святая святых бюргерского дома — спальне, где все вещи имеют затаенный смысл, намекая на священность супружеского обета и семейного очага. Почти все изображенные на полотне предметы имеют символические значения: собака обозначает верность, пара башмаков на полу говорит о единстве брачующейся пары, щетка — знак чистоты, четки - символ благочестия, выпуклое зеркало — глаз мира, апельсины — плоды райского сада и намекают на райское блаженство, а яблоко намекает на грехопадение. Понятной становится и зажженная в люстре днём одна свеча — символически-мистическое присутствие Святого духа, освящающего таинство, ведь с незапамятных времен во время свадебных шествий носили факелы и зажженные фонари.

Особый интерес к символизму проявлялся в период перехода от Средневековья к Возрождению. Одним из самых крупных представителей раннего итальянского Возрождения является Андреа Мантенья (род. ок. 1431 — 1506).

Рассмотрим картину «Моление о чаше». Сюжет этой картины достаточно традиционен, но решён он совершенно необычно, особенно в сравнении с художниками Средневековья. Христос помещён на заднем плане, да ещё спиной к зрителям. На первом же плане — спящие ученики Пётр, Иоанн и Иаков. У них ещё много человеческих слабостей и они изображены без нимбов — символов святости. Таким образом, Мантенья показывал, что для него самое главное – это духовное совершенствование учеников.

В картине много символов. Так, скала, на которой молится Христос, означает твёрдость в вере, сон — символ духовной смерти. На заднем плане — ангелы, один из них держит крест, показывая, что именно на кресте умрёт Христос. Сухое дерево со стервятником предвещает смерть, а ветка с зазеленевшим побегом указывает на скорое воскрешение; смиренные кролики, сидящие на дороге, по которой пройдет отряд римских воинов, чтобы взять Христа под стражу — говорят о кротости человека перед лицом неминуемой смерти. Три пня, оставшиеся от только что срубленных и уже унесенных деревьев, напоминают о готовящемся распятии. На первом плане из бесплодной скалы пробиваются ростки травы, за учениками — молодое деревце — это символы новой жизни. Фигуры нарисованы в обычной для художника манере и кажутся вырезанными из камня, в их одеждах резко очерчена каждая складка. Фоном служит изображение сада с темной листвой. По своему тону, эта зелень контрастирует с нежно-зеленым светлым небом, что вызывает ощущение глубокой печали и некой обреченности.

Другой подход к символизму периода от Средневековья к Возрождению можно увидеть на картинах Иеронимуса (Иероним) Босха (род. ок. 1450/1460 — 1516). Настоящее имя Йероен Антонисзаен ван Акен, но художник подписывал свои произведения псевдонимом.

Иероним Босх — выдающийся нидерландский живописец, причудливо соединивший в своих картинах черты средневековой фантастики, фольклора, философской притчи и сатиры. Один из основоположников пейзажной и жанровой живописи в Европе. Его картины тоже религиозны и на них часто изображены святые и христианские мученики, но это уже не совсем библейские сюжеты. Художественный язык Босха никогда не укладывался целиком и полностью в средневековые символические толкования. Художник часто употреблял определенные символы в значении обратном общепринятому, а также изобретал новые символы. Может быть, поэтому его и называли «мрачным фантастом», «почетным профессором кошмаров», однако современные сюрреалисты видели в Босхе своего духовного отца и предтечу.

Иероним Босх создал в 1503 году картину — триптих «Сад земных наслаждений», в котором своеобразное видение мира проявилось в полной мере. Вместо полагающейся фигуры Христа здесь изображена земная жизнь людей во всём её грешном «великолепии». С боковых частей изображены рай и ад. Таким образом, взгляд зрителя направлен не от левого края к правому, который бы создавал впечатление бесконечного ряда мучений (Сотворение мира — жертва Христа — Страшный суд), а от центра к краям, и мораль её можно выразить словами: «Что заслужил, то и получишь».

Композиция левой створки продолжает тему сотворения мира, рождения человека и изображает сцену «Сотворения Евы». Разные животные пасутся среди зелёных холмов, на фоне фантастического пейзажа Рая, вокруг водоёма с причудливым сооружением. Это — Фонтан жизни, из которого выбираются на сушу разнообразные существа. На переднем плане, около Дерева познания, проснувшийся Адам в изумлении смотрит на Еву, которую ему показывает Бог. Как обычно у Босха, никакая идиллия не существует без предзнаменования зла, и мы видим яму с тёмной водой, кота с мышью в зубах (кот — жестокость, дьявол). Выросшая на загадочной оранжевой скале чахлая пальма диагонально противоположна пальме цветущей. Несколько происшествий отбрасывают мрачную тень и на мирную жизнь животных: лев пожирает оленя, дикий вепрь преследует загадочного зверя. И над всем этим возвышается источник Жизни — гибрид растения и мраморной скалы, парящая готическая конструкция, установленная на темно-синих камнях небольшого острова. На самом верху ее — едва заметный полумесяц, но уже изнутри ее выглядывает, подобно червяку, сова — вестник несчастья.

Центральная часть триптиха — собственно «Сад радостей земных» — представляет собой панораму фантастического «сада любви», населенного множеством обнаженных фигур мужчин и женщин, невиданными животными, птицами и растениями. Влюбленные беззастенчиво предаются любовным утехам в водоемах, в невероятных хрустальных сооружениях, скрываются под кожурой огромных плодов или в створках раковины. С человеческими фигурами смешались звери неестественных пропорций, птицы, рыбы, бабочки, водоросли, огромные цветы и фрукты. Великолепная по живописи картина напоминает яркий ковер, сотканный из сияющих и нежных красок. Но это прекрасное видение обманчиво, ибо за ним скрываются грехи и пороки, представленные художником в виде многочисленных символов, заимствованных из народных поверий, мистической литературы и алхимии. Здесь есть пруд роскоши и фонтан, цветы абсурда и замки тщеславия. На втором плане — пёстрая кавалькада многочисленных обнаженных всадников, которые едут на оленях, грифонах, пантерах и кабанах — не что иное, как круговорот страстей, проходящих через лабиринт наслаждений. Третий план (самый дальний) — венчается голубым небом, где люди летают на крылатых рыбах и с помощью собственных крыльев — символизируют греховную сексуальность, лишенную света божественной любви; лодка-яблоко, в которой уединяются любовники, формой напоминает женскую грудь; птицы становятся олицетворением похоти и разврата, рыба — символом беспокойного вожделения, раковина является женским началом. В нижней части картины молодой человек обнял огромную землянику. Смысл этого образа станет нам понятен, если мы вспомним, что в западноевропейском искусстве земляника служила символом чистоты и девственности. Стеклянная сфера стального цвета — символы из голландской поговорки: «Счастье и стекло — они недолговечны».

На правой створке показан Ад и представляет собой третью стадию грехопадения, когда сама земля превратилась в ад. В центре находится огромная фигура монстра — это «гид» по Аду, главный «рассказчик». Его ноги — это полые стволы деревьев, и опираются они на два судна. Тело сатаны — вскрытая яичная скорлупа, на полях его шляпы демоны и ведьмы то ли гуляют, то ли танцуют с грешными душами… Или водят вокруг огромной волынки (символ мужского начала) людей, повинных в противоестественном грехе. Вокруг властителя Ада происходит наказание грехов: одного грешника распяли, пронзив его струнами арфы; рядом с ним краснотелый демон проводит спевку адского оркестра по нотам, написанным на ягодицах другого грешника. Музыкальные инструменты (как символ сладострастия и разврата), превращены в орудия пытки. В высоком кресле сидит монстр с птичьей головой карающий обжор и чревоугодников. Ноги свои он засунул в пивные кувшины, а на его птичью голову надет котелок. И наказывает он грешников, пожирая их, а затем они погружаются в яму. Безобидный кролик (на картине он превосходит своим размером человека) в христианстве был символом бессмертия души и изобилия. У Босха он играет на рожке и опускает грешника головой вниз в адский костер. Гигантские уши несущие большой нож, размалывают тела проклятых и служат предзнаменованием несчастья. Ниже, на ледяном озере, человек балансирует на большом коньке, который несёт его к проруби. Огромный ключ, прикрепленный к древку монахом, выдает стремление последнего к браку, запрещенному для представителей духовенства. Беспомощная мужская фигура борется с любовными приставаниями свиньи, в одежде монахини.

фрагмент

«В этом ужасе нет спасения для погрязших в грехах» — говорит пессимистически Босх. Если Мантенья использовал сплошь библейские символы, то у Босха они становятся «материалистическими». Но материализуются они совершенно на индивидуальный манер. В его картинах так много неоднозначного и таинственного, что о Босхе до сих пор порой говорят как о человеке, побывавшем на Страшном суде. Но «выступая в своем искусстве как мыслитель, он глядел на мир глазами художника». Его персонажи похожи на кошмарные образы Апокалипсиса и в то же время — на веселый карнавал чертей. Однако при всём множестве толкований смысла «Сада радостей земных» ни одно из них не может полностью охватить все образы картины.

В самом конце XVI века в изобразительном искусстве сложился своеобразный жанр, в котором проявился необычайный интерес художников к точному воспроизведению музыкальных сочинений и инструментов на картинах и гравюрах. Этот жанр вовлекает зрителя в размышления по поводу символического значения, которым старые европейские мастера живописи наделяли (кстати, вслед за музыкальными теоретиками) музыкальные инструменты, и это придавало определенные «обертоны» многим картинам европейских художников Средневековья, Возрождения и более позднего времени.

Приведу несколько примеров:

— Лютня — атрибут Музыки (как одного из семи свободных искусств), Слуха (одного из пяти чувств), Полигимнии (одной из девяти муз); лютня — с лопнувшей струной, изображенная в натюрморте символизирует разлад;

— Виола — атрибут нескольких муз (в первую очередь Терпсихоры), а также Музыки; в качестве общепринятой замены лиры (виолу иначе называли лирой) атрибут Аполлона, Орфея и Ариона;

— Флейта — пастушеский (пасторальный) инструмент, атрибут сатира Марсия, пастуха Аргуса, евангельских пастухов (в Поклонении пастухов); широко распространенный фаллический символ у древних, это значение сохраняется за флейтой, когда на ней играет мужчина на картинах, изображающих любовников; атрибут Порока;

Труба — в христианском искусстве возвещает Страшный Суд; прямая труба является символом Славы (длинная труба — доброй славы, короткая — дурной); атрибут муз — Каллиопы, Евтерпы и начиная с XVII века — Клио.

Обратившись к другим музыкальным инструментам, мы обнаружим связь многих из них с определенными персонажами мифологии или Священного Писания. Через эту связь они приобретали свое символическое значение. Такова, например, арфа в сознании европейцев Средневековья и Возрождения прочно ассоциировалась с библейским царем Давидом, легендарным автором псалмов. Давида часто изображали играющим на этом инструменте, в сценах из его юношеской жизни, когда он был пастухом. Такая трактовка библейского сюжета сближала царя Давида с Орфеем, приручавшим животных своей игрой на лире. Но чаще Давида можно видеть музицирующим на арфе перед страдавшим меланхолией Саулом.

В XVII веке стала популярной философская идея бренности всего сущего — Vanitas (Vanitas vanitatum et omnia vanitasСуета сует и все — суета ). Ярче всего она получила выражение в натюрморте. Музыка (ноты и музыкальные инструменты) — наиболее яркий символ быстротечности и эфемерности бытия: звук отзвучал — и вот его уже нет, он умер. С ясностью смысла этого музыкального символа могут сравниться только изображаемые в них череп, угасшая свеча (с еще струящимся дымком) и цветы (с опадающими листьями). Этот последний символ часто выбирался клавесинными мастерами XVII века в качестве декора их инструментов. Некоторые картины так и называются — Аллегория бренности (или Vanitas), например, натюрморт Петера ван дер Виллиге «Аллегория бренности и славы» (фрагмент).

По-видимому, именно в ключе Vanitas должны «читаться» и чисто музыкальные натюрморты таких художников как Беттера и Баскенис. Последний особенно прославился великолепным изображением лютен, многие из которых, полагают, были сделаны мастерами знаменитой династии Амати.

Эмблематические сборники, издававшиеся на протяжении всего XVII века, являлись хорошим пособием в расшифровке картин. Те, кто был знаком с подобной литературой, не испытывали больших проблем в толковании картин, поскольку знали, что изображение часов ассоциировалось с понятием времени, музыкальной трубы или горна — со славой, античной скульптуры — с искусством. Драгоценные серебряные сосуды олицетворяли богатство. Белая лилия говорила о непорочности. Белая роза свидетельствовала о платонической любви, а красная роза — о плотской. Тюльпаны были символом быстро уходящей красоты, разведение этих цветов считалось одним из самых суетных и тщетных занятий. Увядший цветок намекал на исчезновение чувства, а чертополох связывали с понятием зла. Очень часто на полотнах встречается виноградная кисть, которая одновременно напоминала об искупительной жертве Спасителя за грехи человечества и свидетельствовала о наступлении осени; порхающая бабочка символизировала бессмертие души. Заморские экзотические раковины, предмет коллекционирования, намекали на неразумную трату денег.

Пейзажный жанр в изобразительном искусстве так же был пронизан философскими идеями, своеобразными метафорами и символами. Мастером пейзажа с символами, в том числе христианскими, является художник Каспар Давид Фридрих (1774 — 1840), один из лидеров романтизма в немецком изобразительном искусстве. На его полотнах древне-языческая и средневековая история проступает в виде меланхолических мотивов (гуннские гробницы, руины храмов и монастырей), подчеркивающих скорее трагические разрывы, нежели связь времен. Сила красок, достаточно звучных, умеряется туманами и закатной или рассветной дымкой.

На своей картине «Крест в горах» художник изобразил суровую скалу, на вершине которой стоит уходящее высоко вверх распятие. Оно увито плющом и окружено вечнозелеными елями. Солнце опустилось, но его лучи идут вверх и освещают распятие.

Символика образов картины довольно проста, но содержательна по сути, а композиционная организация христианской идеи становится художественным посланием художника. Заходящее солнце и освещенное с Иисусом распятие означают замену Ветхого завета Новым и связь учения Христа с Богом-Отцом. Крест на скале — символ крепкой веры, а зеленые во все времена ели — надежда на Христа. Символика образов рамы, которая специально заказывалась, дополняет значение символов картины. Колосья пшеницы и виноградные лозы указывают на хлеб и вино причастия. Лучистое божественное око на фоне треугольника — символ святой Троицы. Вальтер, современный немецкий исследователь творчества К. Д. Фридриха, в арочном изображении видит идею победы над смертью, умиротворение и справедливость. Сам Фридрих в комментарии к своей работе расшифровывал свою композиционную идею следующим образом: «С учением об Иисусе умер старый свет — время, когда Бог-Отец жил на земле. Больше нет времени, где дух Бога был бы понятен». Фридрих показал в своей картине, как осуществляется понятие Бога в символах, иероглифах природы. Пейзаж рассчитан на его внутреннее прочтение. Художник, используя язык христианских символов, делает возможным субъективное восприятие христианских откровений. Освободившись от всех жанровых ограничений, он попытался обозначить через ландшафт то трудноопределимое в понятии Бог, что было связано с идеей света, универсума и бесконечного. А за этими идеями выстраивается новое представление о божественном начале, мире и человеке, что пришло с романтизмом и стало называться христианским пантеизмом.

Для того чтобы еще приблизиться к философским идеям Каспара Давида Фридриха, следует обратить внимание на образы света в этой картине: око в треугольнике и лучах, солнце за горой и двойную семиконечную звезду. Центральным образом здесь является солнце. Собрав все его семантические корреляции, обнаруживаем, что солнце — пространственно-геометрический центр картины (не случайно, ведь этот образ выражает идею Бога-Отца) — связано с идеей космоса. Личность, человек у Фридриха находится за пределами пространства, изображенного на картине. Но его присутствие, тем не менее, мыслится благодаря образам причастия, ибо колосья пшеницы и виноградная лоза (хлеб и вино причастия) предназначены для человека, чтобы он мог приобщиться к источнику жизни. Если не обращаться к эзотерике, то останутся не раскрытыми и не понятыми некоторые символы, говоря языком Новалиса, сигнатуры, иероглифы. Прежде всего — семиконечная звезда. Конечно, в сознании христиан семерка связана с символом творения (7 дней творения Создателя). Но семерка двойная, да еще с кругом внутри. Круг есть символ цельности, а вот число 14 в эзотерике никак не фигурирует. Остается предположить, что вторая 7 означает двойственность смысла. И тогда вспоминаем, что семиконечная звезда есть звезда магов, каждый луч которой связан с определенной планетой и часом. У пифагорейцев эта цифра (7) считалась достойной поклонения. Она считалась числом религии — по их представлениям человек управляется семью небесными духами. Она часто называется числом жизни (это как-то связано с тем, что рожденный через 7 месяцев после зачатия ребенок живет, но рождающиеся через 8 месяцев часто умирают). Этим числом объясняется мистическая природа человека: 7= 3 + 4, где 3 есть дух, ум, душа, а 4 есть мир, таким образом, мистическая природа человека состоит из тройного духовного тела и четырехсоставной материальной формы. И конечно, пять ангелов изображены на пальмовом своде не случайно — эта цифра у греков была священным символом света, здоровья и жизненности, пифагорейцы добавляли сюда значение проницаемости. Она также символизирует пятый элемент — эфир. Цифра пять называется равновесием, потому что разделяет совершенное число 10 на две равные части и является символом гармонии в физическом мире. Пентада есть символ Природы, а 5 ангелов, которые составляют эту цифру, возможно, указывают на ее одухотворенность. Вероятно, Фридрих стремился через христианские и нехристианские сигнатуры отразить определенное эзотерическое послание миру.

Художник часто изображал горы, которые впервые увидел, будучи совсем молодым. С тех пор они стали частым мотивом его пейзажей, символом высот познания и духовной жизни, например: «Двое, созерцающие Луну».

Каспар Давид Фридрих Двое, созерцающие Луну 1819 г.

Два человека стоят на каменистой дорожке — жизненном пути и всматриваются вдаль. Подле них — большой валун — камень веры и ель — символ вечной жизни. Луна — символ воскресения и Христа помещена в центре композиции и отделяет «живую» половину картины с валуном и зеленой елью от «мертвой» с засохшим деревом. Несколько сосен на скалистых вершинах напоминают нам о вечной жизни. Но на пути к ней нужно преодолеть ущелье, клубящееся туманом, — бездну греха, в которую человек рискует упасть каждую минуту своего земного пути.

В наследие от средневековой культуры натюрморту XVII века досталась традиция изображать не просто вещь, а вещь-символ. Обратимся к натюрморту «Mеmento mori» голландского художника XVII века Яна де Хема (1606- 1683/1984).

При первом беглом взгляде на эту картину внимание к себе сразу же привлекает красивый букет садовых цветов. Он занимает почти всё пространство картины и является её главным «действующим лицом». Но приглядевшись, мы замечаем некоторые странности в выборе и изображении предметов расположенных возле букета: очень необычно, что рядом с ним художник поместил череп, раковину, помятую и надорванную бумагу с чёткой надписью «Mеmento mori» («Помни о смерти»). Кроме этого прямого призыва, о смерти напоминает и череп, так как он является символом недолговечности, бренности нашей жизни. О смерти, о её неизбежности говорят все многочисленные детали данной картины. Заметим, что Ян де Хем изобразил увядающий букет: поблёкли и повяли лепестки у тюльпанов, совсем завял мак, тронуты увяданием и другие цветы. Вянущий букет сам по себе обозначает недолговечность нашей жизни. К тому же художник старательно выписал множество червяков и насекомых, поедающих лепестки, стебли и листья. А черви — это символы разложения и уничтожения; мухи символизируют порчу; бабочки — скоротечность, краткость нашего пребывания на земле. Почти все рассмотренные элементы композиции данного натюрморта указывают, что верующий художник настойчиво внушает нам мысль о том, что человек со всеми своими земными стремлениями и заботами, которые символически обозначены набором разных цветов — лишь временный гость на земле. Зато раковина, символ паломничества, атрибут святого Роха и Иакова Старшего, направляет мысль зрителя к высокому, нетленному и вечному. Но вечно только духовное, бессмертна наша душа. Теперь становится понятным идейное содержание картины: не забывай, человек, что ты смертен, и при жизни спасай свою душу, чтобы на том свете избежать мук ада.

В Голландии картины с изображением предметов называли «stillleven», что можно перевести и как «неподвижная натура, модель», и как «тихая жизнь», что очень точно передает специфику голландского натюрморта. Фокус внимания художников спустился с небес на землю, теперь их интересовали не благочестивые размышления, а пристальное изучение подробностей материального мира. Первые stilleven просты — хлеб, бокал вина, фрукты, рыба, бекон. Но все предметы в них символичны: рыба — символ Иисуса Христа; мясо — бренная плоть; нож — символ жертвы; лимон — символ неутоленной жажды; несколько орехов в скорлупе — душа, скованная грехом; вино — символ Крови; хлеб — символ Плоти Христовой. О бренности земного существования напоминают разбитая посуда и мертвая дичь, часто включаемые в композицию полотен.

Дюрер, Босх, Магритт, Вермеер – эти и многие другие художники не только обогатили кладовую мировой живописи, но и оставили потомкам множество загадок. Некоторые из них не удается расшифровать до сих пор.

Ян Вермеер. «Женщина, взвешивающая жемчуг»

"Женщина, держащая весы" Яна Вермеера

Название написанной в 1665 году картины определила сцена, которая предстает перед зрителем: на столе рассыпан жемчуг, женщина держит в руках весы. Вот только во время высокотехнологичной экспертизы уже в наше время оказалось, что весы пусты. Это подтолкнуло искусствоведов к поискам сакрального смысла, который голландский живописец мог вложить в работу.

Одна из догадок - на чаши весов женщина положила свои хорошие и плохие поступки, пытаясь оценить, какие из них перевесят в Судный день. Эта мысль созвучна с событиями Страшного суда, которые изображены на картине за спиной героини. Ее дополняет и зеркало – предмет, с помощью которого человек оценивает свои достоинства и недостатки.

Питер Брейгель Старший. «Семь пороков. Лень»

«Семь пороков. Лень» Питера Брейгеля Старшего

Гравюры нидерландского художника не так известны широкой публике, как его живописные полотна. Повышеннный интерес вызывает иллюстрация «Лень» из серии «Семь пороков».

Часть персонажей легко связать с названием. Старуха в центре – персонификация Лени, черт с подушкой – иллюстрация пословицы «Лень – подушка черта». «Мертвое царство» со спящими людьми и улитка на первом плане завершают картину мира, охваченного пороком.

Объяснить присутствие отдельных персонажей до сих пор не удается. Основной спор вызывает фигура монаха, а также изображение колоколов и часов. По одной из версий, священник пытается завести «уснувшие» часы, чтобы заставить толпу очнуться от лени. По другой, монах, колокола и часы – это отсылка к наступлению возмездия, которое ожидает всех лентяев.

Кузьма Петров-Водкин. «Вася»

"Вася" Кузьмы Петрова-Водкина

В 2010 году в Чикаго была обнаружена неизвестная картина русского художника. Обычно Петров-Водкин рядом с автографом ставил год, а на этюдах – еще и число с месяцем. Здесь же датировка отсутствует. Предположительно картина написана в родном Хвалынске, где автор пробыл лето и осень 1916 года. В окончательном варианте портрета художник закрасил находившееся за мальчиком окно. Почему?

Возможно, Петров-Водкин хотел избежать прямой аналогии с другой своей работой – «Мать» (1915), где окно есть. А может, автор не хотел отвлекать внимание зрителя от лика мальчика и иконы «Богородицы Умиление» – метафор глубокой духовности и непоколебимой твердости русских людей? Наконец, небольшие размеры полотна могли ограничить замысел и не позволили художнику «размахнуться». Поиск версий продолжается.

Альбрехт Дюрер. «Меланхолия I»

"Меланхолия I" Альбрехта Дюррера

Значение многих образов на гравюре Дюрера до сих пор не получило однозначной трактовки. В центре картины – молодая женщина с крыльями. Кто она? Муза или ангел? За ее спиной висит магический квадрат. В вертикальных, горизонтальных и диагональных рядах сумма чисел составляет 34. Сумма чисел в четвертях квадрата и в его углах снова складывается в 34.

Еще одна загадка – «I» в названии гравюры, которое вписано в крылья летучей мыши. Самая популярная версия – по принятому во времена Дюрера делению меланхоликов на художников, ученых и философов, автор отнес себя к первой группе. Эрнест Фресес считает иначе: «I» - это не цифра, а глагол «ео» в повелительном наклонении, означающий «уходи!». Его Дюрер использовал как магическое заклинание для изгнания меланхолии из собственного сердца.
Что символизируют разбросанные на полу инструменты? Искусствовед Паола Волкова дает своё объяснение. Полотно можно разделить на ярусы: первый – ремесло (отсюда и разбросанные на переднем плане инструменты), второй – интеллект, третий – мир непознанного. Эти ярусы - внутренний мир автора, а сам он – задумчивая крылатая дама, которая держит в руках циркуль – символ ограниченности всего и вся.

Кто остался за кадром, чтобы звонить в колокол? Эту загадку придется еще разгадать.

Марк Шагал. «Автопортрет с семью пальцами»

"Автопортрет с семью пальцами" Марка Шагала

Марк Шагал пишет автопортрет в 1912 году. Его название сразу же приковывает внимание к руке художника, на которой действительно семь пальцев.

Возможно, автор подшучивает над собственным талантом, вспоминая идиому предков о продуктивном мастере, работающем очень быстро. Или он хочет привлечь внимание к собственной работе «Россия, ослы и другие», написанной годом ранее? Ведь именно она стоит на мольберте? А, может, семь пальцев соотносятся с библейскими семью днями творения?

Иероним Босх. «Фокусник»

"Фокусник" Иеронима Босха

Поучительная сцена о том, как человек не способен устоять перед соблазнами, призывает зрителя задуматься о высших ценностях.

Подтверждением порочности людей являются некоторые символы. Совенок в поясной плетеной сумке «фокусника» - дьявол с его ложными обещаниями. Жабы на столе и у одного из игроков во рту – знак серы, который у алхимиков ассоциировался с адом и Люцифером.

Но главной загадкой этой картины является человек в зеленом, взгляд которого обращен к зрителю. Его лицо встречается и в других работах Босха, поэтому предполагают, что это был кто-то из знакомых художника. Так как мастер всегда изображал его в группе грешников, то, скорее всего, загадочный горожанин был Босху по каким-то причинам неприятен.

Рене Магритт. «Влюбленные»

"Влюбленные" Рене Магритта

Бельгийский сюрреалист Рене Магритт почти всегда объяснял свои произведения-ребусы. Он скептически относился к любым сторонним интерпретациям и был убежден: картины нужно рассматривать, а не искать в них символы. Но «Влюбленных» художник комментировать не стал, поэтому новые попытки разгадать смысл картины не прекращаются.

Кто-то считает, что мужчина и женщина, чьи головы укутаны белым полотном, - это отсылка к трагедии детства автора. В 13 лет его мать утопилась, а когда ее извлекли на берег, лицо накрыли подолом сорочки. Другие полагают, что автор проиллюстрировал фразу «любовь слепа». Третьи – одиночество и отстраненность. Четвертые – метафору «потерять голову от любви». Какой смысл действительно вложил в картину бельгиец, остается загадкой.

Эжен Делакруа. «Свобода, ведущая народ»

Делакруа написал «Свободу» после Июльской революции в Париже 1830 года. Но почему восставших вдохновляет женщина с обнаженной грудью? Французский искусствовед Этьен Жюли считает, что автор писал центральный образ с прачки Анны-Шарлотты – прославленной революционерки, собственноручно убившей девятерых врагов.

Эксперт предположил, что обнаженная грудь является символом торжества демократии: Свобода, как простая женщина, не затягивает тело в корсет. Самая очевидная версия – полуобнаженная женщина символизирует самоотверженность революционеров, бросавшихся в бой «с голой грудью».

Поль Сезанн. «Игроки в карты»

"Игроки в карты" Поля Сезанна

Написанные предположительно в 1893-1896 годах «Игроки в карты» из одноименной серии поражают лаконичностью сюжета.

На первый взгляд кажется, что это обычная жанровая сценка: двое мужчин увлечены любимым занятием. Однако, по мнению искусствоведов, в полотне может быть заложен чуть ли не сакральный смысл.

Размещенная на столе зеленая бутыль с вином может отсылать к святому причастию, а яркая красная скатерть – к цвету крови Христа, искупившего грехи людей. В пользу этой версии, вероятно, говорит и отсутствие на столе денег и сосредоточенные лица игроков. Эмоциональная напряженность мужчин и игра без явных ставок, вероятно, означают еще, что на кон поставлено нечто большее, чем привычные материальные ценности.

Тивадар Костка Чонтвари. «Старый Рыбак»

"Старый рыбак" Тивадара Костка Чонтвари

В начале прошлого века Чонтвари пишет «Старого Рыбака». Замысел венгерского художника был расшифрован только после его смерти при помощи популярного приема для разгадывания ребусов.

Если приложить к центру картины двустороннее зеркало, то с слева зритель увидит почтенного старца, а с правой – злобного. Что они символизируют? Одни предполагают, что Бога и Дьявола. Другие – добро и зло, которое есть в каждом человеке. Если учесть, что при жизни Чонтвари воспринимал свой талант как божественное предназначение, версии кажутся более чем правдоподобными.

---